microphones in the trees: March 2011

Tuesday, March 29, 2011

félicia atkinson

"felicia atkinson is a mysterious spirit who resides in brussels by way of paris, and conjures up a world of folk-sound from the depths of despair itself. or is it from the birth of essence itself? wonder and meditation warm your sense of self being." unread records

infant vampire y this impermanent gold, como christina carter, bruce langhorne y the dead texan en uno

Monday, March 28, 2011

joonatan elokuu

"The second album by Joonatan Elokuu reminds me even more of In Gowan Ring, singing minstrel-like songs in his own modest way, with a warm introspective expressive way of singing with two acoustic guitars and accordion, and with the addition of some second female voice (Helena Halla) here and there. Only after a few songs different arrangements occur, like some flute with echo on “Silk Road Sunrise”. Special to hear also is the “Born again with a hedgehog's heart” intro with a dialogue from a movie of someone seeking for birds/nature-like spiritual freedom. “Nancy” is expressed with more spoken word with warm ambient electric piano and synthesizer. More stretched in acoustic improvisation with harmonium, zither and sitar is “Like Christ and Osiris”. The last track concludes the album by adding whistling. Another good one from this new psych-folk artist. Released as a CDR in an envelope with some artwork". psychedelic-folk

Friday, March 25, 2011

cloud shepherd

"Great sounds from ex-Free Rein improv trio (Brian Lucas by the way is former Mirza participant). Guitar, winds, percussion and theremin. Three long trips, which described by the band as "soundtracks to the abyss" we have no zen

foto via cold splinters


Wednesday, March 23, 2011

rambling boys

"Keijo Virtanen, Jukka Nousiainen, Lauri Puttonen and Sami Virtanen join together to put a spin on the dust bowl ballads of Woody Guthrie. After two incredible lathe cuts, Rambling Boys finally throw down a full album of what were once simple road songs, now pulled apart at their roots and tossed into the basement to be jammed into something completely new and unstoppable. Heady rolling guitar licks, fuzzy harmonica wails and snapping drums drift in and out of each other, locking in perfectly only to split back into the mumbling open." cabin floor esoterica

ain't got no home, de los ilustrísimos rambling boys, ¡por fin! 


"Over the past few years Higuma's Evan Caminiti (of Barn Owl) & Lisa McGee have slowly evolved their sound from shamanistic acoustic dirges into shimmering metallic blast-off hymns, hair raising eulogies to the cosmos. 'Pacific Fog Dreams' is a set of seven such songs, all beautifully distant and drenched in layers of earth toned echo, balanced in dream time between melodies and all out electric whitewash. Delayed strums hang in a beyond background, a ghost world of songs from some other place and time, channeled onto the hiss of a cassette tape to remind you. Caminiti's guitar is often on the verge of taking the whole thing down, sporadically billowing into colorful feedback, huge blocks of impenetrable sound. McGee's vocals are sometimes discovered, but just as distant smears, or riding the peaks, coaxing out phrases of hidden origin.. maybe singing of intimacy, memory, nature or magic." root strata

Sunday, March 20, 2011

hala strana

"New Hala Strana release Compendium is now available via download only. This is a compilation of unreleased, e.p., 7", and bonus tracks that were recorded between 2002 and 2007." steven r. smith

Thursday, March 17, 2011


"Moss is a live recording from Molly Berg, Olivia Block, Steve Roden and Stephen Vitiello. This was a midnight concert at the beautiful Trinity Cathedral in San Jose. ...As the set was entirely improvised, the billing really changed in our minds from being a duo with guests to becoming a quartet. The church itself was certainly inspiring, it’s dark wood and clean dry acoustics. There was a very small but dedicated audience. 
“Moss” breathes like a living being lying down to sleep, a delicate wave of hushed field recordings, tape tracks and subtle electronics provides a bed for which Molly Berg’s clarinet and voice (joined at times by Steve Roden) ebb and sway, Steve Roden and Stephen Vitiello provide lap steel guitar while Olivia Block manipulates the tapes, field recordings and electronics. A perfect example of how four like-minded friends and musicians can come together at a moment’s notice and create, unrehearsed, a captivating and beautiful sonic landscape. The connection between them as artists is completely evident while at the same time disappearing into the background to allow the piece move like a singular body." 12k

Tuesday, March 15, 2011

je suis le petit chevalier

"...if you want to help Japan: I've put all my songs from Je Suis Le Petit Chevalier to download for any price you want: 100 % of the money will go to international red cross!
Je Suis Le Petit Chevalier is collecting psych gems for your shrunken ears. Based in the north of Europe, the lonely knight uses woods, electrics, naked elbows and fire." félicia atkinson

Friday, March 11, 2011

gkfoes vjgoaf

"America's Sean Conrad has been able to channel quite a few very important vibes in Spirit Dance. Spirits obviously dance to this tape! Many slow raga-like grooves meet abstract sunny guitar and vocal rumble, when not intervened by ecstatic vocal bursts and ritual bells and cymbals. Moving back and forth, keeping things in balance Sean goes along a narrow path of calm self-reflection and observation, dancing to his own heartbeat, setting his mind at ease. "Every breath and every bow is a gesture of the soul". full of nothing

Thursday, March 10, 2011

a hawk and a hacksaw

"following a series of albums exploring eastern european folk music influence that have thrilled indie and world audiences alike, albuquerque, new mexico's a hawk and a hacksaw present 'cervantine', their first release on their own new label, lm dupli-cation, a record that gloriously connects their deep fascination with the folk and gypsy groups of former yugoslavia, greece and romania with their actual home in the desert plains of the american southwest. the group's natural blend of diverse global musical styles with their indie rock background lends them the kind of cross-audience appeal enjoyed by bands including fools gold, beirut and calexico, while their strong sense of musicality and cultural context draws more left-field listeners to them as well. recorded live at their studio in albuquerque between two us tours, 'cervantine' is the vibrant sound of an american band whose geographical and cultural travels bear on their already distinctive music. the 20th century brought the influence of spanish and mexican music to eastern european gypsy folk, and cervantine celebrates the reflected resonance of this influence in modern-day new mexico. alongside the core duo of jeremy barnes and heather trost, the album features key contributions from the immensely talented hladowski siblings - stephanie (vocals) and her brother chris (bouzouki) - from bradford, england, via poland, who can be heard on album standouts 'mana thelo enan andra,' 'cervantine' and the turkish classic 'uskudar.' the original composition 'espanola kolo' probably best represents the spanish / mexican impression on serbian brass music that a hawk and a hacksaw have embraced - an homage to the extraordinary new mexico town of espanola and a yugoslav kolo dance, designed for long nights of drinking and dancing." rough trade

Monday, March 07, 2011

deep magic

"sky haze was crafted to be the aural equivalent to laying on a grassy hill & staring up at the sky on a sunny day; letting the clouds, atmospheric artifacts & your eye begin to interact to create shapes & textures, both familiar and foreign. why is the sky blue? what is blue?" alex gray / deep magic

Friday, March 04, 2011

gaspar noé

¿L'enfant terrible?

Llegué a Gaspar Noé hace unos años a través de “Irreversible”, sin duda alguna la bofetada cinematográfica más contundente que he recibido en mi vida. El domingo pasado me enfrentaba a su última película “Enter the void” con precaución, no sabía de ella nada más que era de Noé y que duraba 2 horas y media, y eso dicho así en la misma frase es como para echarse a temblar. Busqué el día y me tumbé en el sillón a intentarlo, conseguí ver la primera hora y media pero tuve que dejar el resto para el día siguiente (la angustia dominical no ayuda), recuerdo que durante el visionado me llamó Luis y le dije que el cine de Noé es lo más extremo a lo que me he enfrentado nunca. El diccionario define extremo, dicho de una cosa, que está en su grado más intenso, elevado o activo. Excesivo, sumo o exagerado. Eso es el cine de Noé.

Al día siguiente terminé la película y me fui para la cama con doscientas mil cosas dándome vueltas en la cabeza, eso también es el cine de Noé, pocas veces uno se enfrenta a "algo" capaz de dejar una ensalada de conclusiones tan tan TAN. El caso es que entré en modo Noé, como el protagonista de “Enter the void” con el DMT, quería más, así que me fui al principio de su filmografía y llegué a “Seul contre tous”, y de ahí a “Carne”, "Tintarella di luna",Intoxication”, "Pulpe amère",Destricted”, “Una expérience d'hypnose télévisuelle”, “Sodomites” o “Eva”, y dejé para el final “Irreversible”. Puede sonar incluso masoquista volver a una película así, pero tras la regresión entendí mucho mejor el pulso que Noé me ofrece como espectador necesitado, o no, de grandes impactos, que no fuegos artificiales.

Para empezar Noé no es un tipo hipócrita, podría pecar de filmar lo que piensa y no pensar lo que filma pero dejaría de ser atrevido, o valiente, y por lo general es infinitamente más sano optar por lo primero, hablando de cine o simplemente hablando, que por lo segundo. Sus películas no son fuertes, son dramáticas en toda la extensión de la palabra, sin conservantes ni colorantes, algo que deja bien claro desde el primer minuto de metraje, y eso, créanme, es de agradecer. Incluso en “Seul contre tous” cubre la pantalla con una cuenta regresiva a veinte minutos del final alertando al público para abandonar la sala antes de tiempo, aún sabiendo que dicho aviso lejos de resultar disuasivo es un cebo para seguir pegado a la butaca porque en el fondo somos mucho más inmorales de lo que suponemos porque sí condenamos fuera lo que permitimos dentro. De hecho en una entrevista comentaba que si ibas a hacer una película exigente para la audiencia mejor mostrar esa exigencia desde el principio, ponía de ejemplo a Buñuel en “Un chien andalou” y la famosa escena del ojo, ¡¡¡y en el año 1929!!!, sin embargo tanto a Buñuel como a Dalí los veneramos como figuras totémicas. Escandalizarse en el siglo XXI es cuando menos para hacérselo mirar, sobre todo cuando los telediarios o periódicos de hoy en día abren sus titulares con violaciones, cursos de prostitución, corrupción en todas sus vertientes, masacres naturales, civiles o militares a inocentes, maltrato animal y demás lindezas mientras cortamos un filete o mojamos una magdalena en un café y nuestra mente sólo responde a esos estímulos con un “qué mal va el mundo”. Si Noé fuese ese bárbaro inmoral como muchos le han tildado, dejaría en “Irreversible” la violación para el final y saldrías del cine hecho trizas. Pero no, el hecho de alterar desenlace y presentación despeja la ira a medias. Y digo a medias porque Noé es un tipo además de muy inteligente, muy gamberro, y lo más perturbador de “Irreversible” no son los diez minutos de violación ni los primeros veinte minutos en el Rectum con frecuencias sonoras a 27 hz para aturdirte o angustiarte más, si cabe, con ese baile de cámara tan claustrofóbico. Digo a medias porque lo realmente perturbador es que la película termina y mi sed de sangre no se ve colmada porque el tipo que sufre los golpes del extintor no es el responsable de la violación, es decir, el malo no muere. Y más perturbador me resulta cuestionar que la audiencia en general, y yo en particular, podríamos ser esa silueta humana que se adivina al final del túnel en mitad de la violación y da la vuelta sin hacer nada por evitarlo.

Veamos, Noé hace cine, no hace documentales. ¡¡¡Todo es mentira!!! Explíquenme por favor como podemos escandalizarnos más con la ficción que con la realidad. Debería recordarle a esas 200 personas que abandonaron la proyección de “Irreversible” en Cannes, las que se desmayaron, vomitaron o las que necesitaron oxígeno para digerir la violación en tiempo real que el único acto atroz con consecuencias terminales filmado por Noé es el degollamiento del caballo que aparece en “Carne”, pero claro, eso es un caballo y es un “animal”, qué más da dirán muchos, todos somos animales diré yo, ¿o acaso tú eres un vegetal o un mineral? En este punto sería muy recomendable invitar a la audiencia sensible e incapaz de enfrentarse a una ficción tan realista, que descubra de dónde salen sus filetes, sus huevos, el paté o la pasta de dientes que normalmente usan. La sorpresa sería mayúscula, y esa complicidad en las atrocidades que sufren los animales sí necesitaría de varias botellas de oxígeno. En fin, a lo que íbamos.

Noé comenta que sufrió los primeros efectos de las drogas al ver con 6 ó 7 años “2001: una odisea en el espacio” (Kubrick) y que después de ver “Perros de paja” (Sam Peckinpah), “Fox and his friends” (Fassbinder), “Los Olvidados” (Buñuel) -su película favorita cuentan-, o “Salò” (Pasolini), decidió que algún día devolvería el impacto de esas películas haciendo alguna que dejase peor al espectador de lo que él quedó tras verlas. Y doy gracias por ese afán vengativo porque lejos de ser gratuito es tremendamente revelador de la condición humana, de la moral humana. Y no, rotundamente no, Noé no es un salvaje, no es un enfant terrible ni un vanguardista con pretensiones epatantes, es un tipo primitivo, tanto que es inevitable colisionar con el maquillaje moral que nos cubre a la mayoría, un enfant de las cavernas en todo caso se ajustaría más al modo que tiene de encarar una película. Noé exige al público desnudarse física y mentalmente, liberarse de cualquier prejuicio moral o ético y eso es un precio que nuestras costumbres o nuestros atrofiados sentidos no están dispuestos a pagar. Es lógico que alguien que busque en una sala una evasión de la realidad se tope de bruces con taglines tan contundentes como “el tiempo lo destruye todo”, “vivir es un acto egoísta, sobrevivir una ley genética”, “trabajar es para los esclavos”, “la vida es aquí y ahora” o “la muerte no abre ninguna puerta”. Imagino que enfrentarse un viernes noche sin previo aviso al Philipe Nahon de “Seul contre tous” puede resultar cuando menos, inquietante, pero si conseguimos ver más allá de la ficción sí podríamos sacar en limpio un puñado de inquietudes que nos resultarían familiares, pero claro, sentirse cercano a Nahon es algo que cuesta admitir aunque resulte paradójico que por ejemplo con Travis Bickle o Dexter no pongamos peros, incluso en el caso del segundo la empatía es automática, ¿dónde está la diferencia?.

Con “Enter the void” Noé cierra un círculo, tengo la sensación de que ya no puede hablar más de la angustia humana. El zumo de la inadaptación está completamente exprimido. La erosión de la personalidad de Nahon o Vincent Cassel (Marcus en “Irreversible”) se apropia incluso del cabal Albert Dupontel (Pierre en “Irreversible”) cuando satisface su frustración a golpe de extintor, dar uno sería humano, repetirlo hasta hacer papilla una cabeza lo convierte en un animal, curioso ¿no? Pierre es el límite, y eso que poco antes de dicha escena alertaba a Marcus que no somos animales, que ni ellos utilizarían el ojo por ojo. Podemos vestirnos con la moral que queramos pero no hay disfraz posible a la hora de esconder nuestros impulsos o instintos más primarios. Noé hace películas porque no visita a un psicoanalista y en ellas ha ido desgranando a través de sangre y esperma el por qué de sus peinados. Tanto en “Carne” como en “Seul contre tous” el discurso es verbal, la segunda es continuación de la primera y el hecho de que “Irreversible” levante el telón con Philipe Nahon, un piso más arriba del Rectum, hablando de nuevo de su hija une la historia y entrelaza ese mundo caótico que la persecución de “Irreversible” va narrando poco a poco con un discurso más físico, más visceral. “La venganza es un derecho de los hombres” es el tagline que mejor resume la redención de los habitantes de ese mundo.

En “Enter the void” no aparece Nahon y no se le echa de menos o yo al menos. Entiendo que la angustia existencial debía pasar a otro plano y ese plano ya debía ser la muerte, el final del túnel, esa figura arquetípica que ha ido apareciendo en todas sus películas de una u otra forma, como él dice “como casi todos, vine a este mundo a través de un túnel rojo y húmedo”. El discurso en “Enter the void” es astral, aunque Noé no pretende transmitir la idea de una vida después de la muerte sí le dedica dos horas y media de viaje alucinógeno y tampoco regala ninguna frase totémica. Simplemente sitúa al espectador en ese viaje que supuestamente acontece cuando el espíritu abandona el cuerpo. Aunque volvamos a ver a una mujer embarazada (para él símbolo de angustia por la fragilidad), de hecho aquí vemos el feto, en una de las escenas más atrevidas que haya filmado nunca, no hay más preocupaciones afines al pasado. Oscar (Nathaniel Brown) muere, y sobrevuela durante dos horas y media su pasado y el presente de su hermana Linda (Paz de la Huerta) o de Alex (Cyril Roy). No hay más, incluso el final es ambiguo y no queda claro si hay o no reencarnación y de haberla si es o no a través de su madre o de su hermana. Es un viaje lleno de referencias a “Tron” (Steven Lisberger), “Un viaje alucinante al fondo de la mente” (Ken Russell), la inevitable “2001: una odisea en el espacio” (Kubrick) o hablando de libros “Las puertas de la percepción” (Aldous Huxley) , “El libro tibetano de los muertos” o la obra de Carlos Castaneda aunque lo considere un mentiroso, con un juego de cámaras cenital como ya utilizó en la secuencia de la detención en el Rectum de “Irreversible”. El desafío en esta película, como él defiende, es más técnico que interpretativo. El guión no gira aunque le haya llevado 20 años transcribirlo, porque “Enter the void” ya la tenía en mente antes de comenzar “Irreversible”. Y el resultado es hipnótico, alucinante, adictivo, magistral. Trasladar la percepción sensorial que uno pueda tener después de consumir setas, lsd o ayahuasca es realmente complicado sobre todo si no tienes un referente en tu currículum al que agarrarte, yo no lo tengo, pero Noé sí y si ha quedado satisfecho del resultado podemos creer que si hayamos estado de cerca de palpar esa sensación. Eso es lo más perturbador de la película, no es violenta, dos horas y media en un tokyo laberíntico en las que te asaltarán preguntas del tipo: “¿Pero qué coño y/o cojones es esto?, ¿Por qué es tan larga?, ¿Por qué hay tantos colores?, ¿Por qué se mueve todo tanto?, ¿Por qué por qué?”

Hay quién dice que a la película le sobran 40 minutos. En mi caso debo confesar que tras el primer visionado interruptus, la he vuelto a ver dos veces más porque a ti no sé, pero a mi preguntarme cosas siempre me ha gustado. A découvrir absolument!

filmografía: click

Wednesday, March 02, 2011


"Owlland is an album on vhs as it's format. The band liked the sound of vhs and recorded the album on the audio track of the tape. Visual album art plays at the same time on the video track.
Owlland the epic new non-linear odyssey through love, time, and dimensions of California. Follow Mountainhood as he reveals the faces of magic apparent in nature and its human inhabitants as he leads us through planets in space, made of caves, stalactites, and moss, to Big Sur, where he visits the Boat-Maker's Daughter, and Kim Starlight, the famous Topanga Canyon actress, who plays a magician in the film, and later appears as herself in a disarming, candid revelation of sadness, loss, and transcendence. Ghosts, rainbows, oceans and stones dot the topography of Owlland, a mysterious new vhs album from Mountainhood band" important
foto: vamitos

Tuesday, March 01, 2011

charlie nothing

"Charlie Nothing was the fractured-psyche pseudonym of author, father, horsekeeper, organic farmer, beekeeper, philosopher and clown Charles Martin Simon, inventor of the dingulator (guitar sculptures made out of the metal from American cars)..." meditations
"...Charlie keeps his work and his music simple, humble, and deeply in tune with the cosmos. “Inside/Outside” is a mostly quiet, living room affair, intimate and gentle, consisting of a simple flute melody and organic environmental sounds. It is as if, for 40 minutes or so, Charlie Nothing has invited you into his world to taste some of his vibe. Meditative and generous with space and silence, it is truly music that is unself-conscious. You feel like you are either eavesdropping on Charlie, or waiting for him to finish so he can give some of his attention..." foxy digitalis