matt krefting

matt krefting ~ lymph est (kye, 2014)

Después de la gran acogida, en un pequeño ámbito, del excelente “High Hopes” (Open Mouth,2013), Matt Krefting se incorpora al excelente catálogo del sello de Graham Lambkin, Kye, para facturar otra joya de recreación melancólica desde la manipulación de grabaciones y cintas en este preciosista y bucólico “Lymph Est”. La trayectoria de Matt Krefting en solitario se va mostrando cada vez más contundente y centrada en este tipo de experimentación sonora en los últimos tiempos, después de haber formado parte en una gran cantidad de bandas (Son of Earth, Believers, Rotch, Shackamaxon,...) su inicio en solitario está alejado de su presente aunque merece la pena ser rescatado con “I Couldn't Love You More” (2009) para el sello de Thurston Moore, Ecstatic Peace!, un disco al que acabé llegando por la presencia en sus grabaciones de tres miembros de una de las formaciones imprescindibles de la psicodelia norteamericana en la pasada década como Sunburned Hand of the Man (qué ganas de que vuelvan a sacar nuevo material) junto a J. Mascis para facturar un interesante puñado de re-lecturas de canciones para acabar completando un disco de versiones donde el criterio de selección estaba basado en el apego que Krefting tenía de éstas. De algún modo, “High Hopes” o “Lymph Est” no andan lejos de tener un punto de conexión en el aspecto de facturar un disco de versiones, aunque en este caso sería desde un punto de vista de empleo de grabaciones ya existentes para remoldearlas a una nueva narración, y la que nos presenta en “Lymph Est” es delicada, plácida y emocionante. 

La descripción de Krefting sobre el proceso de grabación se resume en las siguientes palabras: “In January of this year I drove to Graham’s Empty Stage Studios in Poughkeepsie, New York. I brought with me a large bag of pre-recorded material, a variety of tape machines, some blank cassettes, and a few ideas. We spent a couple of days toying around with what I’d brought, with Graham acting as somewhat of a producer for the session. I brought the results back to Western Massachusetts, worked on them a bit, and added some material. We worked a bit on the sequence, Jason Lescalleet mastered it, and there you go ”. 

  
Con los nombres de Lescalleet y Lambkin sobre la mesa, “Lymph Est” se muestra como un disco de aspecto más cálido que la obra de estos dos, dejando que los samples sean mucho más protagonistas y centrándose en el sentido melódico de los mismos para ir presentando pequeños fragmentos que de algún modo hacen de este álbum un espacio casi cinematográfico. El sonido del piano en la inicial “Fairmount” nos empuja hacia esa recreación de imágenes y sensación casi pop en los ecos que se extienden a esas notas de piano, pisadas que nos invitan en “Tiger's Owl” a dejarnos llevar por un sendero donde puntear sobre sensaciones de misterio y vacío cercanas a trabajos como los de Philip Jeck, Basinski, las cintas iniciales de James Ferraro, Stephan Mathieu o recordar la travesía final de Klaus Kinski en “Aguirre”, hasta encontrarnos en la parte final con una meditativa interferencia con notas de guitarra que nos recuerdan a Loren Connors, “Mr Wollogallu” de Trindade/ Canavarro, Vini Reilly,... hasta reencontrarnos con la belleza y desánimo del opus de “Mania”, una delicada melodía de piano de ánimo erosionado que consigue nuestra plena inmersión dentro de un disco que ya no nos va a soltar en sus diferentes piezas en la parte central al ir sucediéndose con naturalidad debido a su pequeña duración y aún así, tejiendo una conjura emocional con las sublimes “I. Blam Faery”, las notas revoloteando de “Microbe” o la inmersiva “Lion's Try” por destacar algunas de las piezas que nos van trasladando a distintos escenarios en nuestra mente pero mantienen el sentimiento de levitación afligida, siendo súbitamente cortada por el fragmento más virulento del disco: “Mean Rich Riot / Malice Lines”, donde el ruido y lo obsesivo se cuelan para integrar un elemento de desorientación al disco, perfilando con elegancia “Green Veins And Red”. Cierra “Waldemar”, como una narración perdida en el abismo.

“Lymph Est” no es un disco rupturista dentro del catálogo de Kye. Dudo que lo pretenda ser, pero nos muestra un perfil mucho más abierto y accesible, un lugar donde ver un reflejo amable y cálido. “Lymph Est” es la banda sonora de la duermevela y un notable álbum.

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ignatz & de stervende honden

ignatz & de stervende honden ~ teenage boys (ultra eczema, 2014)

"In the past 10 or so years Ignatz has explored all visible cracks and overlapping layers between (or underneath) folk music, blues, singer~songwriter and psychedelia. It is a pleasure to see him take this beauty to yet another level by unleashing 2 dying dogs to join him as a backing band, pushing his tunes into directions Les Rallizes Dénudés took a left and forgot their mountain of distortion, to end up in a dessert where Teenage Boys dance their first slow. De Stervende Honden know their place more then well, sending the anxious listener with endless muffled psych bass and primitive percussion into a kennel where after a few bites dream state replaces sense of direction, any moment on this record seems to be one you´ve experienced already." ultra eczema

La obra del belga Bram Devens sigue expandiéndose a cada uno de los pasos que emprende en su carrera dentro de manejarse en un espectro musical centrado en el blues-folk psicodélico y optando siempre por una producción de aspecto enmarañado y de baja producción. Se expande de manera silenciosa, cultivando en cada una de sus obras un maléfico y turbio encanto que nos envuelve y nos atrapa haciéndonos prisioneros de su música, donde siempre repta su voz frágil. Mirado en perspectiva, su obra ha ido creando clásicos de culto a cada paso, empezando por aquella trilogía para el sello belga (K-RAA-K)³ que empieza con un álbum homónimo en 2005 para después ir añadiendo matices a un folk que se salía tangencialmente del patrón norteamericano del tiempo, freak folk o como se le quiera recordar a día de hoy, y tampoco encajaba perfectamente dentro de otras tendencias europeas de aquellos días, como la islandesa, aunque siempre se manejaba en un aspecto rural y tradicional. Al igual que es difícil de encasillar a Richard Youngs o Jandek, por poner dos ejemplos, con el tiempo sus obras se volvieron más amorfas acercándose al mágico desconcierto de Alvarius B y siempre, trascendiendo en discos como “I Hate This City” (2011) y el año pasado con el maravilloso “Can I Go Home Now?” un particular perfume de oscurantista y clásica obra de edición privada perdida entre mediados de los 60 y los 70. La música de Ignatz siempre se ha mantenido en unos niveles de inspiración más que notables y su camino parece que siempre ha transitado en voz baja. 

Este año, sin embargo, no vuelve solo y se hace acompañar por Tommy Denys al bajo y la percusión de Eik Heestermans bajo el nombre De Stervende Honden (los perros moribundos) para crear una obra tan desgarrada y sobresaliente como “Teenage Boys”, que destaca este año en el catálogo del sello, también belga, Ultra Eczema junto al impresionante trabajo de Samara Lubelski “String Cycle” (aunque este lo retomaremos más adelante). La sencillez con la que parece balancearse este disco, en cinco composiciones maravillosas, alcanza unos niveles de perfección que terminan por estructurar un disco tremendo, un disco de aires también descuidados en la producción pero que en el acompañamiento junto a De Stervende Honden, Ignatz consigue aglutinar en un discurso de blues-folk abstracto, ponzoñoso por su aire narcotizado y los efectos empleados en el sonido de su guitarra unido a, cómo no, un sentimiento de mantra psicodélico de fragancia clásica que enhebra un delicado tapiz (grabado en octubre del año pasado en Les Ateliers Claus). ¿Por qué esta admiración por un disco que de momento parece apuntar a un campo ampliamente transitado como es el blues y el folk? Por la dificultad de encontrar belleza sin sonar artificial, de mostrar luminosidad desde el aspecto legañoso y descuidado de su sonido, junto a conseguir transformar en un lenguaje propio el sentimiento de estar ante una música experimental en la línea de los discos folk de Richard Youngs, de notar la fragilidad de Neil Young y la sensación de cocción a fuego lento que él acostumbraba en los maravillosos discos junto a sus Crazy Horse, Grateful Dead atiborrados de codeína, Ben Chasny volviendo a ser capaz de encontrar la inspiración, recordar trazos de obra que eleva a su protagonista como el “Superwolf” de Bonnie Prince Billy junto a Matt Sweeney, la suave tristeza de Zelienople, la respiración de David Pajo, el sentimiento de mantra blues espiritual de Junior Kimbrough... Todo tiene algo en conexión con “Teenage Boys” y nada es realmente este disco.

El disco abre desde el plano blues con el ritmo trotón de “I Gotta Pee”, mientras el bajo repta con clase y la voz de Devens se deja invadir por ese aliento pastoso después de beberte más de un litro de cerveza dejando que su guitarra vaya narrando el blues eléctrico de Chicago como lo imagina también Marc Ribot. Este inicio abre la puerta de manera animada para sumergirnos en la verdadera telaraña confeccionada por estos tres músicos, que con precisión y fijación por la repetición entregan la maravillosa “Teenage Boys” y recuerdas ese aire de rock psicodélico elaborado a cámara lenta y levitando a nuestro alrededor como un fantasma moribundo al que estamos acostumbrados en los discos de Ignatz pero expandido y con la amplificación espacial del acompañamiento de sus perros moribundos, secundándolo hasta empujarlo a un aspecto instrumental de sutiles aires de espiritualidad jazzy.  

De manera más dulce, le rodean en “Drinking Tea And Bloody Marys”, mientras la bella melodía de la guitarra de Bram Devens nos acurruca en una siesta alejada de los terroríficos calores estivales dejando que la brisa nos balancee en la hamaca y el grito chamuscado de las cigarras se silencie y, de este modo, sus siete minutos nos han evaporado en un espacio alejado del dolor y el peligro, recobrando la dulzura antes de encontrarnos con el que sin duda es el corte estrella del disco y, seguramente, la composición más devastadora de Ignatz en su trayectoria con “Japan is Romantic”, un monumento de cerca de trece minutos que reúne todos los aspectos que comentaba en la reseña al acercarse espiritualmente a tantos buenos recuerdos de lo mejor de las obras de algunos de los artistas citados anteriormente que parece escaparse de nuestras manos y, con ese latido firme y suave van cimentando la pasión de una composición que curiosamente también podría recordar a esas letanías de Les Rallizes Dénudés como he podido leer en la hoja promocional, y por extensión a lo que sería la parte más dulce y sosegada de Haino en alguno de su formatos en trío dejándose llevar por los aires psicodélicos de Neil Young y la delicadeza de “Zuma” o como si Mark Hollis se decidiera a sacar un disco con Bark Psychosis. Da igual por donde lo quieras enfocar, “Japan is Romantic” es una de las composiciones más brillantes de este año. Final en clave casi Harry Nilsson con “I Need A Good Night's Sleep” y esa forma de despedida con sensación de empujarte hacia la carretera para dejarte deslumbrar por los primeros rayos de sol de la mañana al salir de una noche inolvidable y con el cansancio en el cuerpo desear una noche de descanso después de todo este torrente noctámbulo de emociones. 

“Teenage Boys” es una obra que empuja la música de Ignatz hacia otro universo de sensaciones, igual de impactantes que la de sus obras en solitario pero en este caso, la capacidad para atraparnos es de un impacto incalculable. Sin duda, uno de los discos que más he disfrutado en mucho tiempo.

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heat sureens

heat sureens ~ life as a meditation of death (mmm sound, 2014)

 "coming to cassette mid-september, the first full length under this project name in two years. welcome back!" sean mcdonald

Sean toma aire antes de empezar y lanza una nota que se sostiene a lo largo de ochenta minutos. es el hilo del que irá tirando y sobre el que irá construyendo todo un mundo a partir de su voz, hecho de coros de iglesia, una marea de loops y drones casi humanos, agua y exóticas grabaciones de campo. al final, cuando termina la 'cara a', el hilo monocorde se sigue desenrollando durante otros veinte minutos hasta que se rompe por sí solo. si era casi imposible superar la magia de tales of y more tales of...

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night moves

night moves [kelly reichardt, 2013 | estados unidos]

me pregunta ana si night moves me parece una película notable sólo por el hecho de ser dirigida por kelly reichardt y también que a ella las interpretaciones, tanto de eisenberg como saarsgard o fanning, no le llegaron. si no la has visto y estás leyendo esto deberías dejar de hacerlo porque me pongo en modo SPOILER desde ya.

veamos, estoy de acuerdo en que las interpretaciones no dicen gran cosa pero no baso mi opinión de la peli por eso. si la subo un peldaño por encima de river of grass, ode o meek’s cutoff tiene que ver con dos cosas principalmente. una es la temática, vale, es de poco a nada objetivo que me mole el rollo green is the new red, pero sucede lo mismo con el tema animales, siempre abriré la mano a gente que plantee una historia alrededor de esos dramas. y la razón última tiene que ver precisamente en que es una película dirigida por kelly reichardt, y claro, si imagino esa peli en otras manos el rollo tiraría a sobremesa antena 3. aún siendo una peli supuestamente menor me parece un flipe como maneja la cámara esta mujer, vale, ya caigo en el rollo moñas tipo peña que defiende a dreyer, bresson o su puta madre por las movidas técnicas. pero sí, no reconocer que kelly reichardt es la hostia con una cámara en la mano es de votante del pp.

esto traducido a una explicación medianamente tangible pasaría por entender esta película como el punto de encuentro de dos formas de pensar enfrentadas en la ejecución aunque el fin que persiguen resulte el mismo.  porque por primera vez kelly reichardt no plantea una peli de personajes, o mejor dicho, de personas que te atrapan por como canalizan toda la mierda que da vueltas en su cabeza. night moves es una peli mensaje pero no al uso rollo moralina de todo a cien, es una peli con mensaje sin mensaje, es decir, no es una peli que al terminar te dé respuestas, termina y te da preguntas. una básicamente, por qué cojones cargarse el mundo a nivel corporativo es legal (vertidos, tala descontrolada, especismo, etc…) y volar una presa no? y para mi ahí está la chicha.

si bajamos al fango vemos como tanto eisenberg y saarsgard se mueven partiendo de un punto de vista egoísta hasta el asesinato. kelly reichardt omite los diálogos que darían pistas de por qué cada uno volaría una presa. se centra en que la vuelan y punto, el enfoque cobarde aparece cuando hay problemas, cuando ya ser un mártir de la causa es demasiado compromiso. sólo dakota fanning asumiría ese compromismo una vez se da cuenta de las consecuencias de volar el chiringuito. ya la misma fanning al terminar la proyección de la película en la cooperativa pregunta a la directora cuáles son las respuestas, las soluciones al horror que asola al mundo. y no se encuentran más allá de la granja ecológica cuando el dueño habla de la satisfacción personal que provoca poner bombas y de la esterilidad de una acción tan pomposa cuando ese mismo río está petado de presas.  es muy clarividente la invitación a uno de los currantes a que se asome por la ventana y se dé cuenta que cultivando alimentos orgánicos y promoviendo un consumo responsable es más fácil cambiar las cosas. me parecen también muy significativo el diálogo del desayuno de avena versus desayuno proteico con huevo o el problema que supone comprar mierda química a unos rednecks. dakota fanning supuestamente sólo aporta pelas para comprar la lancha y un activismo más de bata y zapatillas en contrapunto al activismo aparentemente firme de eisenberg o saarsgard cuando al final, cuando llega la hora de posicionarse, ambos optan por lavarse las manos, eso sí, después de haberlas manchado con sangre porque ya eso de las causas cuando le tocan a uno dejan de ser tan importantes.

y por eso me gusta night moves, porque soy capaz de meterme en la cabeza de dakota fanning  y llorar de impotencia abrazada a una barandilla porque no hay respuesta ante el apocalipsis. y si consigo meterme en su piel es por cómo kelly reichardt pasa de puntillas por el artificio y se preocupa gracias a los ángulos, pausa o música en llevarme allí.

beachers

beachers ~ pretend (jehu & chinaman, 2014)

~ Beachers is the new project by Riga-based Daryl Worthington, formally known as Kostoglotov. ~

  

"...Pretend is an electronic ~ ambient fusion that leans toward the darker side of music. The leader of a new tribe, Beachers introduces and exposes the listener to a splattering of experimental, electronic and ambient frequencies. Experimental aspects slither into the music ~ the reversed snippet of song from a strange continent, or the paper-thin rustling somewhere in the speaker. His music is a culture that we’ve never heard of and, therefore, have never had the chance to understand. Thankfully, this is our opportunity. Strange, trippy illusions insert themselves into the music. “Pretend 1″ has a pumping rhythm that borders on techno, but the entering harmony keeps the lights on. The beat cuts out, the electronic cable severed. The blackout is complete. When it does come back, it’s joined by a strange, chanted chorus, abnormal in its churned out song...." a closer listen 

'pretend' mezcla de forma especialmente bonita y original grabaciones de campo, tape loops y electrónica minimal en cinco canciones inmutables y sin fin que se generan a sí mismas y parecen una. cada una igual que la anterior pero diferente. opacas, neutras, húmedas, monocordes, repetitivas, impregnadas de una bruma misteriosa que retumba y palpita como 'dark morse' de Je Suis Le Petit Chevalier, 'a river' de Felicia Atkinson, Ricardo Donoso, Sylvia Monnier, Robert Aiki Aubrey Lowe, Scuba Death o DSR Lines. las cinco giran en torno a progresiones graduales y a la relación de los sonidos y las atmósferas: se presentan de la manera más sencilla, van sumando ritmos repetitivos, en suspense, y terminan regresando al silencio de manera plácida. me derrito con pretend 1 y pretend 2. y con pretend 4 y pretend 5. pretend 1 roza casi el techno, un boom boom denso que hipnotiza y acaba de la forma más bonita y sorprendente posible (esos coros extraños...). pretend 2 es un collage continuo de sonidos cristalinos y sintetizadores antiguos que me recuerdan a Eric Vann y Charles Cohen. pretend 4 es relajante y sensual y tiene, no sé por qué, algo en común con Holovr de Jimmy Billingham. pretend 5 es ahora mismo mi favorita. catorce minutos que pasan volando en un crescendo que nunca estalla, y cuando parece que sí, lo hace en unas grabaciones de campo que imitan el discurrir del agua en un arroyo, diluyéndose en un loop al que se le suma otro y otro...y otro. 

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hakobune / oliwa / former selves / panabrite

 hakobune / oliwa / former selves / panabrite ~ oceanic triangulation (inner islands, 2014)

"reflection, buoyance, serenity, and wonder."

"spanning three continents, separated by the Pacific Ocean, four artists have come together to each contribute a piece to this beautiful and sprawling collection. While each piece retains its own microcosm, the four work with cohesion to take the listener through distinct stages of reflection, buoyance, serenity, and wonder. The pieces were gathered earlier this spring with inspiration from writer and photographer: Ana Cabaleiro, a main curator of the Microphones in the Trees blog. She dreamed of this gathering of sounds and so it came to be. The album features photography from fellow Microphones contributor: Marlene Parra." inner islands 

"Oliwa es ancestral y mágico. y puestos a soñar, Oliwa es la posibilidad de un split imaginario con Panabrite y Former Selves que sería ya como tocar el cielo." cuando hace casi dos años escribía estas palabras sobre 'futura' de Oliwa, no podía imaginar que se haría realidad y además en Inner Islands y con el aliciente grande de una portada caracoluda. luego, unos meses más tarde, Paul me escribía diciendo que, a lo mejor, tal vez, ese split iba a ser posible. era difícil olvidarse de una promesa así. hace unos días recibía otro correo de Sean: "i'm about to release this four-way split double cassette between Hakobune, Oliwa, Former Selves, and Panabrite. and i was hanging out with Paul who does Former Selves the other day and i asked him how this split came about. he said there was a piece you wrote on calm in trees where you mentioned that a dream split would be between Oliwa, Former Selves, and Panabrite. I guess they were inspired by that and made it happen. but it's thanks to you! i feel like you are definitely a part of this project in spirit." que te den ganas de dar botecillos cual canguro son cosas que no se pueden evitar. creo que no me hacía tanta ilusión una colaboración desde...bueno, desde 'swim trunks' y los lejanos 'plumas humeantes', 'árbore en la cresta' y 'moon jam/olelbes'. porque si hay una cinta especial y que esperaba con devoción, es ésta. imagina que existiera una peli de episodios de Gus Van Sant, Françoiz Ozon, Lukas Moodysson, Érick Zonca y Kelly Reichardt. añado uno más porque me hubiera encantado que se sumara Floating Gardens. ¿tal vez para la parte dos? ^^

 

'oceanic triangulation' es un recorrido delicado y tranquilo, una travesía entre músicos afines que va de un continente a otro en cuarenta minutos  cual exhalación. cada canción es espejo de la otra y los cambios son casi imperceptibles... si estás distraída ni te das cuenta de que están ahí. 'kakogawa' de Hakobune funciona como preámbulo y bienvenida con capas y capas de guitarras que parecen teclados. mirando al infinito, Takahiro Yorifuji construye canciones atmosféricas  profundamente determinadas por la sensibilidad oriental (conceptos japoneses: zen, minimalismo y wabi-sabi), en un sonido esquivo y al mismo tiempo envolvente, sugerente, en el que siempre parece que es invierno. decía Adrián: "si de alguien echo de menos más reseñas es de Habokune y su ambient drone de diminutas capas y paisajes que se extienden en el horizonte hasta el infinito. nanas celestiales y mínimas, casi inaudibles, que acaban por desaparecer. música trascendetal para escuchar con los ojos cerrados en la más absoluta calma." sólo sé que cada vez me gusta más Hakobune y las reseñas de Adrianus.

las canciones de Oliwa se sitúan en un mundo atemporal de leyenda. son como invitaciones a mundos misteriosos y ancestrales que se abren sólo para ti. Sebastián Oliwa, mago de la emoción como pocos hay en el mundo, te coge de la mano, te sube muy arriba en su globo aerostático y te deja entrar con él en ese espacio. el mismo en el que viven 'sleeping tortugas' de Wave Temples o 'garden music' de Inner Travels. música en la que te gustaría vivir y nos lleva a donde quiere y por donde quiere. comparte con Former Selves la capacidad para generar imágenes galácticas y de vértigo, esa forma de filtrarse a través de la piel, despacio, sin prisas,....casi en silencio. pero lo que más me gusta de 'after night, before sunrise', y valga como ejemplo del talento y duende de Sebi Oliwa, es el sonido blade runner, denso, inimitable, de su sintetizador (a partir del minuto seis muero) y la incorporación de ritmos tribales que se acercan trotones y te ponen la piel de gallina, augurio de todas las cosas bonitas y alucinantes, tan imposible enumerarlas, que pasan en 'selva primaria' (rainbow pyramid). siempre es una alegría saber que Oliwa sigue ahí, como siempre.

Paul se entrega a este split viajero con la dulzura a la que nos tiene acostumbrados. 'triangulate upon paradise' documenta un momento en el que Paul creía estar cerca de la felicidad, pero resultó ser una felicidad efímera a la que no sabía cómo llegar, ni cómo mantener. así que utilizó el recuerdo de aquellos años para encontrarla en el presente. por más que pase el tiempo y los discos, Former Selves sigue generando en mí un sentimiento de melancolía y tristeza. una tristeza inexacta, una tristeza porque sí, que nunca podría explicar. y una confianza eterna a cualquier cosa en la que asome el patuco. cada canción es la canción. 'triangulate upon paradise' sigue navengando en ese estilo musical que él mismo ha creado, con sus múltiples vericuetos, cambios, silencios y pequeñas montañas rusas. pianos suspendidos, voces difuminadas por un eco, nostalgia de ciencia ficción... o la música que oyen los astronautas cuando sueñan en el espacio. 

y para coronar tan mágica reunión, Panabrite nos regala su canción, digo composición, más bonita desde 'bathysphere suite'. y digo desde 'bathyspehere suite' porque a partir de ella todos sus discos, aún siendo preciosos, siempre me ha parecido que se alejan un poco del estilo acuático submarino del principio que tanto me gusta. aquí, para nuestro regocijo, es el Norm Chambers buzo, explorador y kosmische que apuesta por el encanto de las profundidades del mar y de la flora en general (hay pajaritos y cuencos...e improvisación cósmica). 'digest of botanicals' es, tal como sugiere el título, un compendio de ingredientes botánicos. tiene un poco de todo, el sonido burbujeante y saltarín de Jürgen Müller pero sobre todo unos sintes más kosmische y planeadores que nunca. puro equilibrismo ochentero con las teclas....hay momentos en que suenan como arpegios de guitarra. cuando empiezan las primeras notas, el eco de las gotas que caen de las estalactitas rebotando en una cueva, lo único que puedo decir es gracias. y que en nuestro microuniverso ocurren, muchas veces, pequeños milagros.

artwork: marlene parra / layout: sean conrad ~ fotolas: árbore, hoy.joy

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linda perhacs

linda perhacs - the soul of all natural things (asthmatic kitty, 2014)

"Perhacs began making music again. In 2010, she connected with a new generation of LA musicians attuned to her vision, including Fernando Perdomo and Chris Price, both accomplished musicians and producers in their own right. The trio began recording the eclipse song, “River Of God”, and what became a new album’s title track, The Soul Of All Natural Things. The Soul Of All Natural Things, for all its apparent serenity, is also a subtly polemical album, full of exhortations to take a step out of our frantic everyday lives. “We get too far out of balance and we must find a way to get back to our polestar,” Perhacs says. “I have a deeper purpose. My soul is giving itself to the people; I want them to be helped, I want them to be lifted.”

Cuando todos los síntomas indicaban lo contrario: el renacer folky de mediados de la década pasada había pasado, habíamos atendido a regresos tan improbables como deseados (Mark Fry, Simon Finn o Vasthi Bunyan) y, sobre todo, el inexorable paso del tiempo. Yo siento una especial debilidad por toda la magia que reside en muchos de esos, otrora olvidados, discos de finales de los 60 y primeros de los 70 que parecen haber capturado de forma súbita algo atemporal, inefable, un mundo paralelo que se detuvo entonces y que ya sólo reverdece en nuestra imaginación. Con Linda Perhacs la espera ha durado más de media vida, 44 años para que esta higienista dental afincada en California asomara de nuevo tras uno de los discos capitales del folk psicodélico, 'paralellograms' con su atmósfera íntima, sensual y sus silencios y devaneos abstractos.

Escuchando 'the soul of all natural things' resulta evidente que no es tanto un esfuerzo personal sino comunitario (en asthmatic kitty cuentan la historia con detalle) pero en el que perdura una visión de un mundo a bajas revoluciones. Esto es palpable es un disco lleno de armonías, más suntuoso, con bellos arreglos de cuerda como en 'river god' o la canción que da título al álbum. En cambio, 'freely', 'prisms of glass' o 'songs of the planets' parecen conectar de un modo más claro con el espíritu de 'parallelograms'. Así, entre ecos encantados que van difuminándose poco a poco, aún hoy parece que, mientras los rayos del sol se filtran a través de las hojas de los árboles, podrías toparte con Linda por las praderas y montañas de Topanga Canyon.

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loren chasse

 ~ imaging a sort of sleigh to carry our 21 year old dog across an emotionally and physically tough winter landscape....~

no pierdo la esperanza de que algún día vuelva Jewelled Antler, aunque sólo fuera para juntar en una cinta todas las grabaciones que Loren Chasse deja de vez en cuando en soundcloud. 'breet's long winter's leap' es especialmente bonita.

foto: carla fernández andrade

loren chasse ~ breet's long winter's leap

sean mcdonald

sean mcdonald ~ tales of (mmm sound, 2014)

"a tackle both gentle, and harsh. not a push in the right direction, because there is no direction. no path, just presense. mind was altered at birth. oh, and do i say mmm? yes, all the time. behind either tears or laughter, it's all that remains. a calm, a calamity,  and then               

all there ever was.                                               

here"

recorded using all voice, with the exception of a handful of samples.

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 sean mcdonald ~ more tales of (mmm sound, 2014)

"follow up (check up) to my feelings after recording the first "tales". in need of constant reminders? sometimes.  and then you remember all there ever was, again

recorded using all voice in a woods house outside of gainesville, florida."

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tengo un especial cariño por todo lo que esté relacionado con Housecraft, uno de esos sellos de confianza que no importa lo que editen, siempre está bien. todas sus cintas se caracterizan por un sonido brumoso... ese halo especial al que seguro se refiere Jimmy Billingham cuando hace poco escribía en su twitter: '2010 tape-scene nostalgia...'. es verdad que el 2010 fue la época más prolífica y fascinante para esas cintas minerales y misteriosas. es como si todas fueran compuestas justo en aquel año. Kane Pour, Knit Prism, Xiphiidae, Basked Unit, Misner Space, Jeffry Astin, Tricorn And Queue, nuestros queridos Josh Burke, Spencer Clark, Lieven Moana y sus mil y un seudónimos, nuestro querido Jonas Frederiksen como Dreamers Cloth, los sellos minúsculos... una lista inmensa, inabarcable. la música era la misma aunque pareciese diferente. cambiaba el sonido, el aura y, tal vez, una luz que hoy ya no existe. Sean Mcdonald  recoge la luz y la esencia no sólo de sus anteriores proyectos, Heat Sureens y Mannateas, sino también de aquella época dorada.

'tales of ' y 'more tales of', editadas en su propio mini sello que acaba de nacer, no es más que una constante y maravillosa  manipulación del sonido a base de loops hechos con cintas y efectos, dando cuerpo y alma a una colección de cortes vocales loopeados, filtrados, tamizados y devenidos en psicofonías casi espectrales. hay un momento indescriptible hacia el final de la 'cara a' de 'tales of'... la voz de Sean se funde con el eco de una voz femenina como la de Motion Sickness of Time Travel. sería una coral psicodélica si James Ferraro, Journey of Mind, Julianna Barwick y Rachel Evans vivieran en la selva y los destellantes reflejos del sol sobre el océano atlántico les cegara cada mañana. cánticos tribales, aroma a  Clime y Tuluum Shimmering...es increíble que se puedan hacer tantas cosas bonitas con la voz y un puñado de samples. en la 'cara b' hay trozos que me recuerdan a 'marble surf' de James Ferraro (siempre revoloteando), incluso a Peat Raamur. y en realidad quizá no se parezcan en nada. al final de la 'cara b' de 'more tales of', grabada en una cabaña en el bosque, cuesta distinguir si lo que suena es una voz humana o el ulular del viento. la magia es que han pasado ochenta minutos y despiertas con la sensación de no saber muy bien qué ha sucedido ni dónde has estado. no podría llamarlo música, sino encuentros en una exótica tercera fase. oir, o a veces simplemente intuir.

dolphins into the future ~ lieven martens moana

dolphins into the future ~ lievens martens moana ~ songs of gold, incandescent (edições cn, 2014) 

"presenting five simple monaural tape collages, recorded over 5 years. These are culled from my growing collection of Dedication Symphonies. The proceedings start at the edge of the continent, and ending in the Gecko’s compass. Um Tratado … is a field recording, made in the boiling waters of a Fumarole. Being a composition as performed by the Mid Atlantic Ridge. Sweeten The Mango is a tonal story, as a response to the eponymous text by H-K Trask. Grotella exhales simple movements, toned by conventional instrumentation."

a puntito de salir 'os canais' en sicsic tapes, y saboreando todavía los maravillosos 'as canções de pele' y 'complementary music 2010 - 2013' junto a Eva Van Deuren, Hannah Friese, Wietske Van Gils y Francesco Cavaliere, abrimos las ventanas de par en par para que entre la brisa desde el planeta de Lieven Martens, un planeta especial que crece y crece dando vueltas sobre los mismos parámetros. 'esta cinta no representa un álbum, simplemente puros fragmentos', field recordings que Lieven ha ido grabando a lo largo de cinco años y que podrían ser casi una ampliación de 'the bells from above' o un compendio de todos sus viajes. hay tantas cosas bonitas en este disco...nadie como Lieven aprecia la belleza de la naturaleza, de un cri cri, de un kikirikí, de un cántico tribal, del ritmo como un latido animalesco.

'ilha da culatra (for wietske van gils, 2010)' es la selva en ebullición. el cielo. en 'um tratado sobre a agua quente (short version, for floris vanhoof, 2011)' Lieven capta el sonido de las aguas ardientes de una fumarola, una mezcla de gases y vapores que surgen por las grietas exteriores de un volcán a temperaturas muy altas. tan húmeda que dan ganas de bebértela. gorgoritmos, zumbidos, trinos y burbujeos con todos los instrumentos imaginables ~arsenal acústico de marimbas, xilófonos, dulcimer y bambú. los siete minutos de  'grotella (excerpts from a hula, dedicado a la coreógrafa belga siet raeymaekers, 2013)'' son como alucinaciones, como trozos del subsconciente. los acordes levemente distorsionados parecen interferencias de algún contacto alienígena o un theremín tocado bajo el agua. 'moo (for francesco cavaliere)' es obsesiva, diferente a cualquier cosa que haya compuesto nunca. Lieven se entrega totalmente a una música torturada, sin serlo, que él arranca a las máquinas, jugando a la ouija con teclados y micrófonos para dar vida a mantras tropicales que no se parecen a nada.

'sweeten the mango (instrumental version, for haunani-kay trask, 2012)' está interpretada por un coro de alguna tribu hawaiana, y de repente se convierte en algo triste y melancólico gracias a un piano que me recuerda a una escena inolvidable de 'cría cuervos' ...y de repente suenan las campanas y los pájaros y...hay algo magnético en el sonido delfín, en las teclas que toca y en cómo manipula las grabaciones de campo. en cómo convierte lo extraño, lo inhóspito, en algo propio. y lo hace de tal manera que siempre caes rendida. puede que, dada la inmensa cantidad de discos bajo distintos seudónimos, no sea fácil desenterrar todos los tesoros de Lieven Moana. resulta abrumador el hecho de, simplemente, querer tenerlo todo, ordenarlo, asimilarlo, pero merece mucho la pena hacerlo y sumergirte en su música al menos durante un día, una semana,...

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talk west

talk west ~ all worries at once (marmara, 2014) 

"performed & recorded by Dylan Golden Aycock between 2013-2014 in Tulsa, Oklahoma. instruments: electric guitar, pedal steel, zither, synth, upright bass. this album is an ode to anxiety.

"If you're doing, you're not being. If you're thinking, you're not knowing"

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 talk west ~ please the parting guest (wounded knife, 2014)

"all songs written and arranged by Dylan Golden Aycock over the years 2009 to 2014. lap steel sounds on “Cherokee Yard” by Jesse Aycock. thanks to Melody O’Hearn this album and all other TW albums would not exist. to please the parting guest, respite to the severed."

limited to 50 copies ~ each copy includes a 8-page booklet and a unique b/w photo cut from an old bird encyclopedia."

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siempre que me alejo muchos días de microphones, se acumulan tantos discos favoritos que no sé por cuál empezar... pero lo de Talk West es una barbaridad. 'all worries at once' y sobre todo y muy muy muy especialmente 'please the parting guest', son tan bonitas que hasta casi podría decir que no hay ni de lejos ningún disco que le haga sombra. escucha cómo abre, por ejemplo, la cinta en marmara con la ensoñadora y breve 'on a serious note', o como acaricia los sonidos orientales en 'veined strata'. cómo toca la guitarra y los teclados más evocadores dibujando escalas preciosas en 'tandem in amsterdam' y en 'winfield hammock', o cómo capta el sonido de la naturaleza en 'saltcreek'. cuando acaban esas canciones, la segunda, la tercera y la cuarta, no necesitas más. sabes que 'please the parting guest' es posiblemente lo más bonito que vayas a escuchar este año. pero entonces llega 'huckleberry' y pienso que Dylan Golden Aycock ha compuesto su pequeña cima. 'wherever you are is home', 'fog', 'free floating dream' y 'longing' exploran territorios todavía más orgánicos y contemplativos. slow pastoral folk, slow library ambient, sensación literal de flotar. notas de guitarra a la deriva, en círculos concéntricos y a ritmo de caracol que te enredan y te arrastran hacia dentro, tan Reedbeds. slides guitars en 'salt plain princess' y 'cherokee yard', grooves hipnóticos, canciones que a veces no parecen ni canciones sino esbozos, interludios, pequeñas sólo en apariencia, o voluntariamente pequeñas. cada una parece formada por dos niveles que actúan al mismo tiempo: uno que extiende latidos de electrónica y ambientes por debajo, formando una alfombra de sonido que mece al otro, y otro con la guitarra como su fiel amiga y principal punto de apoyo. 

creo que la música de Talk West es la música visual por excelencia... es casi imposible no imaginarla acompañando los fotogramas de alguna atípica peli del oeste de los setenta, como 'the hired hand'. al fin y al cabo Dylan es el fundador de Scissor Tail, sello praderil que hace dos años reeditaba en vinilo el disco de Bruce Langhorne. y es de Oklahoma. la guinda: la magia que sigue y sigue en ''guitar meanderings vol. I'', cinta que Dylan acaba de publicar en cabin floor esoterica.