pulse emitter

pulse emitter ~ outdoor session (cosmic winnetou, 2013)

"lovely synth stuff to lose yourself into it. recommended for listening sessions with sunbeams on your skin. but its magic works without that too, promise."

"portland based synthesizer obsessor Daryl Groetsch toted his gear into his backyard last august for an outdoor session. this was the first time Pulse Emitter recorded outside. “it was very inspirational. it’s normal i guess for an acoustic musician to take their stuff outside but not so much for electronic musicians”. Groetsch said about the jam. “i had actually played an outdoor fest right around the same time and got a taste of it then. something about seeing the sky and plants while playing is good. the music was improvised using a setup that has become my new favorite way of playing, i’ve done more inside recordings in this style since. playing outside is definitely different with the sun beating down on you and your instruments, and ants crawling over everything, and flying insects, but it’s all part of the experience”. tabs out 

que alguien me pellizque... era muy difícil abandonar la isla de x.y.r. y salir de la burbuja calentita del split de Atrocious Neighbour, Obsidian Pond y Komodo Haunts, pero ante algo tan irreal como 'outdoor session', de verdad que sólo puedo dar las gracias. nada que no fuera mágico podía esperarse de una sesión al aire libre publicada en cosmic winnetou, el contexto, el lugar, el momento, pero es que estoy literalmente enamorada de estas seis canciones, una entrañable declaración de amor al Universo, a la naturaleza y a la Tierra. si cambiamos las plantas y el cielo de Oregon por las playas de Normandía, es inevitable pensar en 'the norman tapes' de Günter Schlienz. es verdad que tengo predilección por este tipo de música y su capacidad para construir pequeños refugios, y que me iría con estas seis canciones al fin del mundo, pero si 'crater lake' era ya un escándalo, 'outdoor session' traza con tal nitidez un mapa del aquí y el ahora del ambient más campestre ("la naturaleza es cósmica"), que me atrevo a decir que lo es mucho más. me parece una cinta cercana, una caricia, uno de esos regalos minúsculos de escucha reposada por el que sientes un especial cariño. de temperatura más cálida, más orgánico, más ensoñador, más espacioso, más sutil y lleno de matices, Daryl Groetsch sigue creciendo, consolidando su estilo con vaporosas canciones que se acercan al cosmos con la misma estética aérea y amplitud de campo que 'the norman tapes'.

'sun bleached' es el título de la primera canción, una miniatura ejecutada bajo el sol, con sintes cual helicópteros que se acercan y se alejan. naturaleza, cosmos, ambient y new age del de toda la vida. delicada, circular, ondulante, emocionante. de fondo, el campo. 'pink sky flying', íntima, me lleva muy lejos... es un esbozo de nana para teclados tocados por Brian Eno y Steve Roach. de fondo, el cosmos. más al fondo, una melancolía y una paz indescriptibles, como de jinete perdiéndose en el horizonte cegado por el sol. 'airwaves' ...ay, 'airwaves'. ¿os acordáis de 'hermits'? 'airwaves' multiplica su belleza por mil. las notas fluyen como un torrente, como una cascada, y hay que ser un maestro para conducirlas por una montaña rusa sin perder ninguna por el camino. de cuando una melodía celestial quiere llevarte de viaje y lo consigue. en 'positive motion' me rindo, Pulse Emitter hace tantas cosas, y las hace tan bien... imagina una emocionada y emocionante melodía equiparable a la canción más bonita que puedas encontrar en el recopilatorio de 'i am the center: private issue new age music in america 1950-1990'. 'bubbles in glass' es el cielo, si alguna vez soñaste con un encuentro entre Jürgen Müller y Günter Schlienz, esta burbujeante tonadilla lo hace realidad. pero entonces llega el final, un mantra ambiental de trasfondo zen titulado 'on the veldt', y ya sí que me quedo muda. es mi favorita y, aunque suene cursi, es una caricia para los sentidos. y lo es gracias a un sintetizador viajero, puro, espiritual, tan Buchikamashi navegando por la vía láctea.

'outdoor session' es una cinta de puro éxtasis ambiental, un tacto luminoso y cristalino recorre el disco... no sé, coge un bote, rema mar adentro y deja que el sol y el vaivén de las olas hagan todo lo demás. yo lo diré sin miedo: otra de mis cintas cósmicas del universo favoritas del año, casi se puede decir que entre las diez primeras o incluso entre las cinco. porque de principio a fin, todo en 'outdoor session' deja sin aliento. ahora sólo nos queda esperar con ilusión, como decía Fran hace poco en su reseña de 'crater lake', la próxima cinta en Constellation Tatsu. escuchando 'light from distant stars' tengo la sensación de que seguirá la senda de 'outdoor session'. qué bonita. pero bonita es decir poco. inconmensurable.

sold out ~ listen ~ try

postdata: a veces, compruebas con felicidad que existen personas verdaderamente especiales. llegar a casa, abrir el buzón y encontrarte sin ni siquiera imaginarlo con un paquetito de cosmic winnetou con las tres cintas de su última hornada... no hay palabras. quiero hacer hincapié en ello, a Günter lo queremos, por vivir en su burbuja, por su humildad, por ser una rara avis entrañable, siempre atento y agradeciendo cualquier minúscula referencia a su nombre, a su sello, cualquier mínima aportación. ahí, en la sombra :)

atrocious neighbour / obsidian pond / komodo haunts

 

  atrocious neighbour / obsidian pond / komodo haunts ~ secondary efflorescence on the dam of the robert moses niagara hydroelectric power station (sicsic, 2013)

"Sonic horn of plenty from Obsidian Pond and Komodo Haunts who also collaborate as Atrocious Neighbour on this one for the first time. Over an hour of psychedelic jams that cover all sorts of sublime styles and sounds: from faux gamelan style meditations to deep n’ dark atmospheres." sicsic

ésta es otra cinta muy muy especial por esas cosas inexplicables que se sienten cuando ves por primera vez, por ejemplo, la portada de 'low winged, silken plumes' de Komodo Haunts o la de 'many moons' de Former Selves. y si me voy más atrás en el tiempo, 'trees, chants and hollers' de Valerie Webb & Paul Labrecque. imágenes preciosas que sirven para percibir lo que alberga el disco y que, además, transmiten una musicalidad en los títulos irresistible: eflorescencia ...embalse...Robert Moses...Niágara. 

cuando vi las plantas verdes y la tipografía de esta portada comestible dibujada por Alecs Pierce (Obsidian Pond, Leveret) pensé al momento en 'plantasia' de Mort Garson, y quise que la música fuese igual de atractiva que la portada. y vaya si lo es. ¿qué es y qué significa tan largo y enigmático título? digamos que es la propiedad que poseen algunos minerales y sustancias químicas de reducirse a polvo por sí mismos debido a la pérdida de agua de cristalización al ser expuestos al aire, pero también una cantidad ingente de pequeñas melodías que se expanden con contagiosa parsimonia, y son flautas de bambú, bongos, cítaras, xilófonos, gongs, saxos, percusiones saltarinas, voces con un increíble poder evocador, arrancadas de otro tiempo o, quién sabe, de otra dimensión. pero sobre todo es el embrujo de la entonación libre y lo-fi, de los instrumentos sin gravedad que colorean esta cinta de un verde musgo diluído. y todo suena tan orgánico, tan natural, tan gamelán. los tres grupos parecen uno, unidos  por ese sonido lo-fi que no es premeditado, tal vez un intento de que predomine la intención de esta reunión colectiva imaginaria, como las de antes, la de los músicos de jazz libre y folk exótico, donde las canciones no están ni trabajadas, ni hechas, ni cerradas, como si las hubiesen despachado al primer hervor.

qué difícil hablar por separado de los grupos, aunque Komodo Haunts siga siendo mi debilidad, porque de verdad que todo está tan cohesionado que a veces tengo la sensación de que Atrocius Neighbour podría ser otro pseudónimo de Ollie Tutty, sobre todo cuando suena 'small fingers fell out of the wall', rozando con los dedos a Davenport, compartiendo similitudes con el split de Trabajo y Madrugapha. cómo explicarla, es imposible. imposible describirla, imposible moverse a su ritmo, imposible escucharla sólo una o cuatro veces. ése es mi sonido. pienso, aunque no estrictamente por la música, en las plumas humeantes que el maestro mariano pérez le había dedicado a marlene y el nejo de smokey feather. otra debilidad es 'b‡ ~ willow palisade ~ orbits' de Obsidian Pond. cual grabación traída por el viento de una visita guiada al embalse, en sus tres cambios imperceptibles el tiempo es siempre lento y los sonidos atmosféricos, dotados de un filtro enrarecido. tan acunadora que, aunque suene tópico, no quieres que se acabe nunca. cálida, orgánica, fluída, favorita de favoritas. 'pearl river' de Komodo Haunts es una burbuja sonora, literalmente una burbuja, con su riqueza de texturas, sus percusiones, su ritmo adictivo. y ahora que lo pienso, en realidad mi debilidad son los tres grupos que conforman este split, porque 'grape of the land' es, con toda seguridad, la más bonita de todas, una ilusión auditiva que podría llevar cien años existiendo. esa percusión delicadísima, esas flautillas temblorosas...sí, Atrocious Neighbour son otra nueva debilidad.

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x.y.r.

x.y.r. ~ big calm (singapore sling tapes, 2013)

  

~ new release by x.y.r. (Vladimir Karpov's one-man project). all music was made in period feb ~ sep 2013 (at his bedroom in St.Petersburg, Russia). used stuff: analog synth formanta-mini, pedal effects, loop station, mic and field rec. ~

"big calm" it's like a message in a bottle from Robinson that you once found on the seashore"

definitivamente, x.y.r. fue desde el principio algo muy especial, una de esas cintas que surgen de la nada  y que un día, gracias a una ráfaga de suerte, aparecen en tu correo. 'big calm ' es el segundo capítulo de la historia ~inspiradora donde las haya~ de Robinson Crusoe: 'la gran calma es como un mensaje en una botella enviado por Robinson, que un día encuentras en la orilla del mar'. así de bonito y romántico es todo lo que rodea a la música de Vladimir, un sonido único que distingues e identificas al instante del resto de músicas posibles. ha tardado más de un año pero... de nuevo en casa, de nuevo es su mundo, su paisaje (pronto reconoceremos todos los rincones de su isla secreta) el que invade el nuestro, de nuevo un lugar de ensueño con loros, palmeras, olas, pajarillos y letras en minúscula, con suficiente magia y encanto como para iluminar un verano y también un otoño... e incluso un invierno. como verdadera enamorada, no quiero preguntarme si algún día me aburriré de la fórmula. soy feliz pensando que Vladimir seguirá componiendo la música con la que sueño, la que necesito escuchar cada día como necesito volver de vez en cuando a Cap'n Jack, siempre apetecibles, desnudos y refrescantes, siempre describiendo un estilo y un clima muy concretos. ocho canciones demasiado bonitas, húmedas y esponjosas para describirlas, entre las que están 'calm in trees' ~aquel inesperado regalo de Vladimir para nuestro blog, y dos canciones que ya conocíamos. y todas son increíbles, de verdad que no hay una más bonita que la otra, arregladas con el punto justo de exuberancia. en ellas, la vida florece en un sintetizador y unas grabaciones de campo perfectamente modulados: se mira ensoñadoramente a través del cristal de una botella y todo gira en torno al agua y a la calma. la calma bajo el agua, la calma tumbado en la orilla, la calma trepando por un cocotero, el cielo en calma, la calma interior... un estado de ánimo que se revela sereno y en paz, como un Robinson que acepta su destino. x.y.r. será siempre mi vicio perfecto, ése del que nunca te arrepientes de querer más, más y más. ¿lo digo? otra de mis cintas favoritas del año ^^

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tricorn and queue

tricorn queue ~ continual passage (stunned, 2008)

"I think I could settle into the world of Tricorn and Queue for a nice long winter nap. everything here is washed out in this mystical pink fog. this is pure aesthetic escapism. this is a deep river of milky neon haze. this is the wallpaper in a baby's room coming to life. this is the the soundtrack to a slow motion film about waterways~ complete with artificial field recordings and burnt out technicolor visuals. this is the perfect aural accompaniment to the visual art of Jeffry Astin ~drenched in those same strange colors from worn out 1970's picture books. It's hard to separate the sounds from the listening experience. I feel warm and comforted. I feel like a kid again. I feel like I'm floating. what more do I need to say? this is beyond essential listening for anyone with an interest in unique analog drone music that is creating a new space for itself." foxy digitalis

las cintas minerales son aquéllas que al escucharlas tienes la sensación de estar en la playa una mañana de invierno fría y lluviosa, esa placidez terapéutica después de haber sobrevivido a un fin de año cualquiera y levantarte temprano y poder respirar al fin en tu playa vacía favorita. esas cintas llenas de vida y tacto arenoso que reflejan espacios abiertos y que, como decía Tiptree acerca de Western Standards, huelen más a mar que un puñado de algas. pero lo más importante, esas cintas de sonido imperfecto, destartalado, con aparente desatino y errores sutiles, que crean adicción y encajarían como un guante en Mineral Tapes, y que en el pasado editó Stunned, sello al que nunca dejaremos de echar de menos. sirvan estas palabras para reivindicar la preciosísima música del nunca suficientemente reivindicado Jeffry Astin, quien tiene ya demasiadas cintas como para decir que ésta es la mejor, pero...casi casi.

en la canción número seis de 'continual passage' puedes oir el viento camuflado entre ruidos crujientes y minerales. bucles, drones suavísimos y delicados, círculos, el raca raca de palos que se rozan, grabaciones de campo, silbidos, cristalitos, humedad. un clima deliciosamente expresivo y crujiente que me ayuda a no echar tanto de menos a Reedbeds. ya han pasado muchos años desde su edición, pero pocos discos, cintas, vinilos suenan, fluyen, saben tan arenosos, abstractos y relajantes como la canción número cinco, bueno, en realidad como cualquier microsonido o sustrato de sonido emitido por Tricorn and Queue. parece imposible estar involucrado en tantos proyectos distintos y ser todos maravillosos porque lo de Xiphiidae, como bien sabe Aguirre, tampoco es de este mundo. Jeffry Astin practica un lo-fi flotante sin igual y moldea y retuerce todo tipo de notas y texturas como sólo sabe hacerlo Carter Mullin. me acuerdo también de Josh Burke (entre los tres se llevan la palma al sonido mineral), del vaivén incensante de unos sonidos que nunca sabré si son guitarras o teclados, muy, muy rudimentarios. sin ser field recordings, es la naturaleza hecha música, poner un micro en el interior de una cueva, sentir cómo la marea arrastra la arena mojada cual mercurio bajo tus pies. en fin, la cristalización definitiva de lo cálido y lo orgánico y de, con apenas nada, conseguir hacer mucho. como siempre, dura un suspiro pero, como siempre, lo bueno si breve (y lo-fi) dos veces bueno.

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josh mason

josh mason - conduit (scissor tail, 2013)

"“within a year’s time, a mother sleeps and a baby is born.” 

untitled (for ruth) 14:02 

untitled (for amy) 11:41 

for guitars, tape loops & computers 

joshmason.info"

La descripción que encontramos del nuevo trabajo de Josh Mason no es muy precisa, pero de ningún modo lo consideraría un problema más bien, todo lo contrario. A quién se refiere en estas dos estampas dedicadas a Ruth y Amy no tengo ni la menor idea, pero si que percibo el cariño y la devoción que se respira en estas dos delicadas piezas. Josh Mason , sale de su sello Sunshine Ltd. y desde Scissor Trails vuelvo a evocar la reedición de este sello a la banda sonora de Bruce Langhorne "The Hired Hand", entre otras muchas otras memorias que evocan en mi mente una fantástica colección de discos que después de escuchar "Conduit" quiero volver a escuchar. El halo de romanticismo, el leve susurro de sus manipulaciones sonoras y las distraídas filtraciones desde la guitarra dejan que por mi mente puedan unirse desde Philip Jeck, la versión inicial de James Ferraro de la época "Marble Surf", William Basinski, The Caretaker (y aprovechando que Ana sacó a relucir esta perla, recordaré al ep de Yoran), Jasper TX, Richard Skelton como Heidikka , Padang Food Tigers, Jefre Cantu-Ledesma, Taylor Deupree, Tape Loop Orchestra, Stars of The Lid, Windy & Carl o Scott Tuma. 

Muchas referencias, cierto, pero lo que desprenden  musicalmente todas ellas (o al menos así las percibo) es amor. Un amor que se matiza con melancolía un sentimiento en determinadas ocasiones vaciado. El ser editado en cassette puede influir en que evoque ese sentimiento de añoranza, aunque no creo que caiga en el abatimiento. Simplemente serpentea iluminado y desenfocado ante nuestros ojos, como aquellos recuerdos de infancia revelando carretes. Entre esos misterios , hemos dejado que la primera estampa sin título (y con el juego de palabras también podría citar a la serie de maxis de Untitled)  y dedicada a Ruth nos balancee y nos arrope en una mirada cálida. La cara B , dedicada a Amy, parece flotar en una panorámica más estrellada, dejando que el frío vaya calando en nuestros huesos y con ese tono neoclásico de nana vaya dejando pequeños centellazos de ecos reverberados que podrían emular el paso de una perseida y esas delicadas melodías de guitarra me recuerdan a la maravillosa cinta de Scott Tuma "Love Songs Loud & Lonely". En definitiva, una compañía perfecta.

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enumclaw

enumclaw ~ holographic headdress (sacred phrases, 2013)

"an auditory late night journey weaving in and out of ancient auras and unknown terrestrials. electronic keys represent a lost and forgotten galaxy ~ at times foggy and dense yet a radiant glow never leaves the third eye. for fans of Terry Riley's 'A Rainbow in Curved Air'." sacred phrases

una maravilla de entrada: un sinte modular aparece de la nada y deja paso a un acorde que no sube ni baja, sólo fluye y entonces... dale volumen, sin miedo, y verás-oirás una de las canciones más bonitas del mundo, el ejemplo perfecto de música cósmica atemporal. la primera vez que oí 'ka-ata-killa', tan vintage, tan günter, tan voice of the garden, la hice mi canción favorita (luego llegó 'golden teacher' y enmudecí) y quise tener en mis manos 'holographic headdress', cuyo título resulta tan revelador y lleno de imágenes: es como el mandala imposible de una estación cósmica a los mandos de Norman Fetter, una corona de plumas de infinitos colores vintage, un monasterio zen, monjes tibetanos en el espacio, belleza retrofuturista en espiral. Enumclaw son muchas cosas y todas bonitas: la holosíntesis hecha música, ese mandala terapéutico y vibracional que, como Oliwa, integra la naturaleza en el cosmos y produce bienestar. en 'encyclopedia mythica' Norman Fetter se ensimisma recordando explícitamente a Florian Fricke e implícitamente a cualquier cinta retro y comestible que podamos encontrar en Sounds of the Dawn o Hidden Valley, aunque el inicio de 'golden teacher', con esos sonidos ululantes del espacio que caen en cascada a lo largo de sus diez minutos, me hacen pensar de nuevo y como viene siendo habitual en Louis and Bebe Barron (siempre ahí revoloteando). el resultado es una bendición, una odisea preciosa que va más allá del revival o la nostalgia y que en manos de Norman Fetter suena a gran disco pequeño y a pequeña gran, deslumbrante, reliquia.

la guinda es que está masterizado por Sam Cusumano, otro artesano de los sintes modulares hechos por él mismo y uno de los componentes de Niagara Falls junto Norman Fetter. y otra guinda para los arbóreos: Sam, colaboró en el pasado con Christina Carter, Black Forest/Black Sea y Tara Burke. la magia está en cómo algo tan ingrávido y abstracto puede, a veces, compartir colorido y sensibilidad con el folk crepuscular, ese holograma espiritual que propaga emociones por las sensaciones que transmite la música. en fin, se acerca diciembre y si este año hay tiempo y fuerzas para hacer una lista con los discos favoritos, seguro que 'holographic address' aparecerá pegadito, porque comparten energía y clima, a Kyle Landstra, Floating Gardens y The Rainbow Body... y muy cerca de todas y cada una de las cintas-burbuja que Günter Schlienz ha editado en el dosmiltrece.

listen ~ buy the cassette ~ golden teacher (mp3)

million brazilians

million brazilians - wet dry jungala (moon glyph/psychic sounds, 2013)

Million Brazilians entran en el catálogo de Moon Glyph definitivamente después de entregar un aporte en la recopilación del sello "Opal vol.I & II" el año pasado. El universo de Corum (aunque no tengo más información acerca de quién/es se esconde/n tras este proyecto de Portland) desarrollado en este nuevo trabajo titulado "Wet Dry Jungala" consigue reunir muchas de mis fijaciones y pasiones dentro del terreno psicodélico que se nutre de referentes exóticos y cósmica dub para tejer el sonido de sus composiciones. Muestra de la búsqueda de estos tesoros y referentes culturales desde la perspectiva de un norteamericano sondeando las peculiaridades culturales de otras culturas ajenas se puede observar en las diferentes sesiones colgadas en su web "planes of corum". Como fruto de toda esta investigación y las referencias del sello Psychic Sound Recordings, podemos ir estrechando el círculo que nos conduce de manera hipnótica y subyugante por las nueve composiciones de este disco.

El recorrido marca un recorrido espiritual por diferentes culturas pero no deja que se caiga en el puro trance o una mirada bohemia relajada de dudoso gusto. La precisión rítmica y chamanista, de ritual ocultista enfrentado ante referentes diversos de psicodelia nos situa en claroscuros que conocemos en nuestro viaje al colocarse de manera natural entre los páramos de High Wolf, Peaking Lights, Roberto Musci, Monopoly Child Star Searchers, Herbcraft e incluso podría decir que en la parte menos dramática de Ghédalia Tazartès en sus exploraciones de la cultura india, las percusiones lunares de Sun Ra y el sentido de extravagancia de Moondog. "Untitled I", abre el viaje con la percusión en primer plano y dejando que el sentido primitivo se afile para conducirnos dentro del aquelarre que después va buscando diferentes puntos de apoyo como el pulso de Sun Araw, Leven Signs, Pocahaunted y los Peaking Lights de "Imaginary Falcons" (en realidad estoy redundando en referencias que hablan de igual manera del catálogo de Moon Glyph o Not Not Fun) con "Untitled II", aumentando la sensación de plegaria perdida entre la ventisca de una fría noche de otoño con esas melodías de banda sonora de película de suspense. Momentos de jazz espiritual que parecen encapsular la pureza de Mulatu Astatke y Getatchew Mekuria entre juguetonas melodías que apuntan directamente a la cósmica visión de terapia mental de Sun Ra.

En la parte central, se desarrollan los tres cortes más extensos del disco y que triangulan con mayor precisión las diferentes emociones deambulantes, como en "Untitled IV" que parece rescatar el espíritu del post-punk y me recuerda a Annie Anxiety Bandez en "Jackamo" o "Soul Possession, spoken words psicodélicos y más experimentales en la transmisión desorientada de "Untitled V" y la maravillosa joya de "Untitled VI" con una melodía de saxo lunar que te hace entrar en el Cairo de la mano de Salah Ragab y dejarte llevar por la percusión en una danza rodeado de cobras y reptiles que conecta con la marciana estampa de "Untitled VIII" con una rítmica que me recuerda a Dirty Beaches y melodías sonámbulas perdidas en el limbo. Disfrutar de "Wet Dry Jungala" es todo un placer sensorial.

"Million Brazilians sound like a corps not of this hemisphere, but one influenced by its discoveries via travel and/or scouring the deep web. Separated into nine untitled compositions, Wet Dry Jungala clings with a humidity mostly foreign to the North Americas. It’s not to be mistaken for the escapist brand of tropicalia - the sort that inspires relaxation and cabana service - but rather the hysteria of eight days in the desert, the spiritual exhaustion of following a shaman into a sweat lodge, and the endurance of trudging through a rainforest bog, swatting off mosquitos." moon glyph

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death and vanilla

death and vanilla - vampyr (moon glyph,2013)

No puedo decir que sea una sensación de déjà-vu la que me lleva a enamorarme del dúo sueco Death and Vanilla, es algo más profundo que simplemente comparar el halo de su música con la de Pram o Broadcast, formaciones que se encuentran en un olimpo imaginario para muchos. Debo admitir que este perfume fue la puerta de entrada hacia su primer album homónimo y una serie de singles y ep's fascinantes (desde el primer ep también con el mismo nombre donde abría "Ghosts in the Machine" hasta este año con el sensacional single "From Above/Lux") siguiendo además ese regusto por un cruce de chaladura imaginaria entre Joe Meek, la hauntología británica de Ghost Box, Finders Keepers y The Outer Church, pasando por Morricone y Piero Piccioni, entre tantas otras cosas que sugieren baterías jazzys, metronómicas, reverberaciones, punteos, sintetizadores vintage y la sedosa voz de Marleen Nilsson. Concretando más el sonido de estos discos surgen comparaciones con la primera época de Broadcast, aunque hay más detalles dentro de su estilosa forma de afrontar una ensoñación pop de referentes tan cinematográficos.

En este punto, también podrían conectar con la obra de Broadcast con el score que realizaron para "Berberian Sound Studio", aunque sería injusto ya que los planteamientos de esta propuesta son completamente distintos. "Berberian Sound Studio" no es una película al uso, sino el reflejo de una generación artística en el Reino Unido que compromete la música de Broadcast dentro de un imaginario del film que parecía hecho a medida para su obra, el diseño gráfico de Julian House, la multitud de guiños a otros films de género de suspense de la época, surrealismo y misterio. Una conjunción de otra galaxia. Sin embargo, Death and Vanilla en esta ocasión nos presentan la grabación de una actuación que realizaron en septiembre del año pasado en el Fantastik FilmFestival en el Lunds Stadsteater para el clásico de Dreyer, "Vampyr". 

Haciendo memoria, esta película me persigue este año al haber reseñado también la aproximación de Rabih Beaini a este film  y si, vuelvo mucho más atrás en el tiempo, puedo recordar a la figura del vampiro como una de las que más pánico me daban en mi infancia (aunque creo que he acabado convirtiéndome en uno de ellos). Para esta actuación el dúo de Marleen Nilsson y Anders Hansson se amplían con tres músicos más (dos de ellos también participaron en la grabación de su primer disco de estudio) para facturar una banda sonora que recoge perfectamente el aire de la película de Dreyer y se mueve sinuosa entre el aliento nocturno que va encontrando en sus diferentes escenas encantadores acompañamientos de vibráfono, moog, samplers fantasmagóricos, punteos arrastrados, ecos, etc. Dos caras de una cinta que son completamente perversas y embriagadoras, pero principalmente presentan una compañía panorámica que no necesita tampoco de las imágenes del film para ser disfrutada. Simplemente, es una perfecta joya oscura que sigue extendiendo el aroma de perfección encantadora de un pop de otro tiempo y dimensión. Dejad que entre en la próxima luna llena (del castor)...

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pulse emitter

pulse emitter ~ crater lake lp (immune, 2013)

Daryl Groetsch extiende este año con "Crater Lake" su entrada anterior para el sello Immune tras el cuádruple cruce de caminos el año pasado en el sensacional "4-way split" junto a Date Palms, Expo'70 y Faceplant (proyecto de Aaron Coyes) que suponía un curioso compendio de visiones cósmicas acerca de la aproximación a la música generada a través de diferentes tipos de sintetizadores, en las que se compartía la teoría pero la plasmación sonora es completamente personal en cada uno de los casos. Las sensaciones que evoca la obra de Groetsch en su proyecto Pulse Emitter tiene un sentimiento mucho más armónico en sus exploraciones sintetizadas, propone una mirada cristalina y diáfana en comparación con otros compañeros de generación que serpentean por terrenos más abstractos o esquivos. Considero encontrarme con un disco como "Crater Lake" como una mirada calmada y propone desde el título un imaginario híbrido entre cósmico y acuoso, intersecciones recurrentes empleadas por Groetsch para poner nombre a sus trabajos. En esta ocasión, trata de definir la similitud entre la superficie de las lunas de Jupiter y Saturno con el Crater Lake de Oregon.

Adentrándonos en este espacio, que bien podría ser una especie de guiño al hecho de haber sido masterizado en Berlín si no fuera por la explicación cósmica anterior, nos encontramos con la primera de las cuatro excursiones titulada "Europa" (luna de Júpiter) y aunque a mi mente puedan venir recuerdos de compañeros orbitando por similares coordenadas como pueden ser Panabrite, Matt Carlson, Bee Mask, Charlatan, Dolphins Into The Future o los trabajos para moog de M. Geddes Gengras, hay un sentimiento de sinfonía cósmica y de banda sonora que obviamente remite a clásicos de la ciencia ficción al igual que al universo de Harald Grosskopf, Klaus Schulze o Laurie Spiegel. Esa armonía que serpentea y te hace levitar a su alrededor en una hipnosis perfectamente inducida tan sólo introduce el inicio de la aventura, es como una puerta de entrada a la que llegamos en estado de sedación y que súbitamente "IO" (Júpiter) nos empuja al desconcierto y se retuerce en una atmósfera de suspense, confusa y deambulante. 

Groetsch no nos deja caer en este vórtice oscuro y con "Enceladus" (en esta segunda parte vamos con lunas de Saturno), volvemos a salir a flote y entre los arpegios y diferentes sonidos articulados desde su cacharrería analógica (su sintetizador modular lo fue configurando él) y tras una primera divagación a fuego lento empieza a emplear una batería de efectos que nos van masajeando y elevando hasta el final mágico de "Titan", un broche perfecto en el que conecta con emoción con las imágenes que se han captado de este satélite de Saturno en primavera, remitiendo casi al inicio de un verano del amor cósmico. Esta conexión espiritual entre imágenes nos hacen caer de nuevo en un universo de fascinación en el que dejar llevar nuestra imaginación lo más lejos posible.

Pulse Emitter no descansará en esta recta final de año y en breve tendremos oportunidad de disfrutar de "Equinox" en Constellation Tatsu y la cinta "Outdoor Session" para Cosmic Winnetou. Sinfonías en flotación.

"with an array of handmade modular and vintage keyboard synthesizers Daryl Groetsch crafts melodic and layered compositions that evoke microscopic and interstellar landscapes inspired by nature, science fiction and the cosmos. writer David Keenan has called Pulse Emitter “the undisputed king of planetary scale synth hypnosis” and has said, “no one is making synth music that feels so organic, so rapturous and so ‘in tune’ with the contours of outer and inner space as Groetsch.”  

inspiration for Crater Lake came from a spiritually moving camping trip Groetsch took to Crater Lake National Park in Oregon where he found it to be one of the most stunningly beautiful places he had ever been. at the time he was conceptualizing an album inspired by the moons of Jupiter and Saturn and noticing similarities between the features of Crater Lake and the moons caused Groetsch to create an album influenced by both the nature in front of him and the cosmos above. Groetsch’s working method begins with conceptualizing each piece and then composing on paper, synth programming, and finally recording and mixing. “Europa” was inspired by the clear blue water of Crater Lake and also relates to the icy surface of the moon Europa that is believed to have an ocean of water underneath it. “lo” is about Crater Lake’s ominous and harsh rock outcropping as well as the volcanic forces taking place underneath Crater Lake and the volcanoes covering the moon lo." immune

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yoran

yoran ~ montparnasse (unbalance, 1981)

"this is the first solo output by Yoran, released on Naoto Hayashis legendary Unbalance label. the tracks contained here are comprised of cut-up and collaged recordings from various unspecified french movies intertwined with the occasional spoken word segments ~ all seemingly recorded using a cheap-o cassette player making for quite the lo-fi work. nevertheless, "Montparnasse" harbors a very intriguing surreal atmosphere ~ just check out the later part of "Concert Maillol" with it's haunting looped piano, indistinct sound samples and Yorans bizarre hummings, mumblings and fumblings of the tape recorder. I think this would sit well as the soundtrack to any fever dream. another favorite is the melancholic and paranoid title track and the ethereal dialogue-ladden murkiness of "Je Derve Avec Láir", for maximum impact; play this very late at night." stalking duppi

leía en un blog lo siguiente acerca de 'montparnasse'. "no quiero decir nada. pero lo intentaré: esto es lo que The Caretaker tristemente intenta ser". y es ésta una sugerente pero injusta manera ('an empty bliss') de empezar a descifrar el encanto de una delicatessen que si se hubiera concebido hoy podría encajar perfectamente en el catálogo de Worn Habit. carruseles, radios mal sintonizadas, ecos de voces humanas en un salón de baile vacío, pasos, spoken word....'montparnasse' es la elegancia, los sepias y los ocres, las escuelas de ballet y el suelo de mármol. no hay palabras para "je derve avec láir", en algún punto intermedio entre The Caretaker y 'young prayer' de Panda Bear... esos cánticos en el minuto uno y medio. todo son matices, claro, y percepciones, todo aparece combinado y ordenado de una manera distinta, personal, pero eso es lo primero que he pensado al escuchar este minielepé muy mini que sale de la nada, en aquel momento ajeno a toda la música de su alrededor.

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johnny hawaii

johnny hawaii - southern lights (hands in the dark/la station radar, 2013)

Debo reconocer un gran interés por las referencias que van apareciendo en el sello francés Hands in the Dark desde sus inicios. Buena parte de culpa la tiene una formación como Death & Vanilla con un discurso sonoro capaz de emular y sobrevivir a la comparación de Broadcast y Pram. Navegando por este sello he encontrado discos cuyas atmósferas siempre buscaban asentarse en terrenos menos experimentales pero sí mas exóticos y placenteros, una característica que ha convertido en muchas de sus referencias en experiencias tremendamente reparadoras y satisfactorias como los discos de Stag Hare, Cankun, Mind Over Mirrors y especialmente, la obra absolutamente imprescindible editada este año por Robedoor y su "Primal Sphere". Pero lo de Johnny Hawaii me ha pillado totalmente desprevenido. La música del francés Olivier Scalia para este disco, representa perfectamente el final del verano desde un paraíso mediterráneo descrito desde la perspectiva marsellesa (allí se grabó el album). Con esa sensación de atardeceres eternos y sensaciones románticas nos va introduciendo en un viaje por una vertiente pop experimental a la que me siento claramente atraído, más teniendo en cuenta que comparto con él la ensoñación de vivir pegado a la visión sureña del Mediterráneo (cambiamos Alicante por Marsella). 

Nada más empezar, ya desde el título de "The Parrots Are Not What They Seem (They’re Just Pigeons On Acid)" podemos establecer alguna comparación con el universo aviario de Spencer Clark pero llevado a una sensación cercana a la de Noah Lennox y la etapa de "Person Pitch", al sesgo de Cameron Stallones tal vez, pero el sentido de jangle pop lo-fi me recuerda absolutamente a la paz cristalina de los serpenteos melódicos y al delay de Matt Mondaline en Real Estate y como no, Ducktails. La representación de parajes exóticos sigue con "Driving Through The Jungle" y rápidamente caemos en el mundo de ensoñación al que hacíamos referencia con Death & Vanilla, con esas reverberaciones intrigantes de banda sonora en infinitos loops que se van diluyendo entre la percusión repetitiva hasta ir alcanzando un nuevo sentimiento de estampa de puesta de sol romántica que nos devuelve a la mente los viajes oceánicos de Seahawks o Teen Hawk pensando en el personaje de estela plateada surfeando en las playas de Tarifa.

De manera mucho más lánguida parece desarrollarse "Canoeing Down A Quiet River", planteando un sendero cálido que trae a mi mente la efervescencia inicial del viaje de amigos en canoa de "Deliverance" (aunque luego acaba como acaba) y nos recrea la melancolía de otro guitarrista esencial dentro de esta generación como es Mark Mcguire. Con "Inner Beach" la sensación de paz trascendental se convierte en una excursión que vuelve a hacer referencia al pop ácido de pulso en sedación dub de Sun Araw, Ducktails , High Wolf y Panda Bear como citaba anteriormente, pero bien entendido e inspirado, nada que ver con deformaciones fofas de aquello horrorosamente denominado chillwave. El final de "Psychic Suntan" te introduce de nuevo en extrañas mixturas pero siempre totalmente placenteras, como intentar mezclar el sonido de Phil Spector (y pensar en las Ronettes) ensamblado a las estampas progresivas y submarinas de Cluster y Sven Libaek hasta terminar en un crescendo plácido y eufórico en el que respirar la última brisa nocturna del verano. Quién diría que en noviembre aún sería capaz de sentir un completo apego a estas sensaciones sin intentar sonar nostálgico al recordar el final del verano desde los rigores del otoño. Aquí en el sur, aún estamos dando el penúltimo paseo descalzo por la playa y para el que "Southern Lights" te coge de la mano para acompañarte en los últimos coletazos del infinito verano del amor.

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wild flowers

 wild flowers ~ I (native parts, 2013)

"Wild Flowers, this new act on the Göteborg lofi-scene. I once got invited to a session at their recording place, mid-day. Smoke and dim lights were making me sweaty and i almost fell out. The invisible landscape. Dreamy soundwaves and soft focus, very loud. I saw some figures behind the layers of sound bouncing off the walls. It was pretty impressive. I heard that some of the tracks they put down on tape some sessions later on is now being produced and collected into their "debut tape", although I have in my very own hands a bootleg tape released 2 weeks ago. That´s how they work, you see a live gig but that´s not sure it´s their most presentable stuff, or even official. It flows and it´s really up to you to ride along. I have listened to them while watching my plants grow, reading books and just thinking about stuff that are on Mars, or closer." Diego LV

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Dan Fröberg, very inspiring universal artist will remix these tracks and Wild Flowers will give it out as the sister/brother followup-release later on, probably at a live show. (Tape no 2). In September, tape no 3 will be available, fieldrecordings from the djungle in Palenque, Mexico.

  

a veces paseando por tomentosa, una tienda 'distro' de golosinas como dnt , descubres que hay un sello que se llama native parts, y que guarda verdaderos y auténticos tesoros como Wild Flowers. todo lo que rodea a Wild Flowers y Native Parts me recuerda a cuando paseando por dnt me encontré con las plumas y los mocasines de Siren y Pocahaunted, con not not fun, que por aquel entonces era un sello casi infradiminuto de carácter muy muy lo-fi dando sus primeros pasos. y todo lo que vino después... esa emoción indescriptible de lo subterráneo, el resurgir incipiente de las cintas de cassette decoradas y pintadas a mano. Wild Flowers es la chica filipina que bucea en una foto escaneada de national geographic, órganos que parecen teremines, música del mundo tal como la entienden Dreamers Cloth, Wave Temples, Reedbeds o Tricorn and Queue o la entendían Louis and Bebe Barron ('girl from sao paulo'), pero con un acento aún más reposado, brumoso y verde musgo, es ambient lisérgico con disfraz de folk submarino y tonadillas, en fin, de otro mundo. dos canciones que aún siendo cortitas requieren varias escuchas para descubrir todo lo que tienen y nunca acaban de agotarse, ganan más y más. la idea de que esta cinta más otras dos futuras ~field recordings en la selva maya de Palenque, México~ sean editadas en una caja no hace sino aumentar mi felicidad. sólo 25 copias, si no te das prisa, seguro que te quedas sin ella.

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ecstatic cosmic union

ecstatic cosmic union ~ xcu (eiderdown, 2013)

"husband and wife team of astral travelers, float through the spaceways in search of blissed sounds… and come back with their baskets brimming. guitar, synths, congas, and chants pull you up and there a-ways. Seattle’s shining star in the freak scene, Ecstatic Cosmic Union would like you to stare into the eyes of the Universe." eiderdown

"say your farewells in advance of pressing play. once you arrive in the realm where Ecstatic Cosmic Union resides, the heady vibrations may obviate the need to return. xcu guides you through sparsely populated climates that pulsate with celestial energy. xcu swirls with interminable buoyancy through the plumes of dank indica haze that envelop the atmosphere. from these lovely travelers emanate six cosmic lofi zoners comprised of guitar, synths, congas and incantations." honest bag

  

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La música de Aubrey Nehring y Rena Luelle es realmente cautivadora. Pocas palabras pueden definir con una mayor claridad las coordenadas del duo de Seattle a la hora de enfrentarse a estas jams psicodélicas con claros referentes al cine experimental más esotérico. Lo que podemos encontrar dentro de esta cinta es magia cósmica, intrigante e infinita. En esta exploración hacia una búsqueda de trance, como va implícito en el nombre del grupo, llegamos a encontrar aspectos que nos recuerdan a muchas de mis formaciones predilectas en este sensorial mundo que podríamos tildar casi de “sacrodélico”. Fijándonos en sus distintas composiciones, observamos como en cada una de ellas mantienen una serie de elementos fijos y van modulándolos según quieran resaltar una sensación u otra, casi como un prisma de cristal con diferentes caras perfectamente simétricas a las que según va variando el nivel de incidencia y ángulo de enfoque hacia el haz de luz va mostrando en ese singular efecto caleidoscópico. 

Así empezaríamos con “Center of Light”, una breve introducción que funciona con el recuerdo de banda sonora intrigante de los años sesenta, como punto de entrada al universo desértico de “Zabriskie Point” de Antonioni y manteniendo las sensaciones que me traen al recuerdo de distintos trabajos de Not Not Fun desde Peaking Lights (época “Imaginary Falcons”) o Sand Circles , además de Deep Magic, Emeralds o inclusive Pye Corner Audio. El aspecto percusivo se mantiene en “X=C=U” (xtatic cosmic union) y va adquiriendo apuntes de guitarra mucho más psicodélicos entre esas estampas lunares a las que se añade el sonido de las congas aportada por Samuel Yoder, mientras nos desplazamos por calma por ese aspecto lunar de Sun Ra y Moondog enfrentado a la psicodelia de la escena californiana y la reverberación y eco dub, que obviamente nos tiene que recordar a Cameron Stallones. “Infinite Gratitude” sigue apuntalando el sentimiento de psicodelia cósmica y apunta en su título al concepto de infinidad, manera de representar un estado de divinidad desde la óptica de pasajeros interestelares de Emeralds (los más centrados en el aspecto de la electrónica progresiva de la escuela de Berlín que los de la etapa más liberadora del drone agreste). La pequeña perlita de oscurantismo fuzz espectral de “Eyesof The Universe” que trae recuerdos de infinidad de joyas psicodélicas de edición privada como por ejemplo Gandharva (cuyo album “Cosmic Sounds of...” me parece una joya). Pero la parte más expansiva de la cinta viene en la segunda cara con dos excursiones como “Skarab's Bones” jugando en algún lugar entre Can, Spectrum y demás trances krautrock y motoryk apuntalados por punzadas eléctricas ácidas que bien nos pueden recordar a Moon Duo, Astral Social Club, Herbcraft y como no a High Wolf, cerrando con la neblina de “Cave Paintings” y ya que cité la cinta de Antonioni al inicio de esta reseña, me acuerdo de su explosión final envuelta en cámara lenta y en una banda sonora ácida. “La vía amanita”.

baldruin

baldruin ~ aufbruch 3" cdr (makrame, 2013)

"you need to have the gold good-luck charm to be able to get into the enchanted forest of sound created by johannes schebler..." makrame

es fácil descubrir los discos donde se reflejan y a mí me parece que Baldruin es puro makrame. el macramé es un arte muy antiguo en el que sólo se utilizan las manos para hacer hermosos nudos, trenzas y cenefas decorativas. y eso es lo que Aritza Land admira por encima de todo, los sonidos improvisados y ancestrales, coger una canción y simplemente tocarla, retorcerla como si fueran nudos. esa fisicidad del free jazz y la música tradicional africana y asiática. claro, cualquier grabación que venga de un sello que nace en el 'vasco país' y que se llama makrame en honor a la abuela de Aritza, tiene a su favor un plus original de cariño y garantía. pero es que este minicedé es tan tan bonito y dorado, literal, que la única palabra que lo define es artesano, como el papel cebolla o el amuleto de la buena suerte que ilustra la portada.

empieza a sonar 'die erweckung des lazarus feat. nebelsonnen', con sus palos de agua y sus notas de piano, y sabes que además estás ante el que será uno de tus discos más queridos del año...lo sé, casi siempre lo digo, pero de verdad que es así. inconfundibles tonadillas de auténtica orfebrería psicodélica en las que sigue habiendo bosques encantados y sigue habiendo duendes y sigue habiendo un clima fantabuloso de cajitas de música con bailarina dentro y microscópicos laberintos de antiguos mecanismos de relojería. un toque artesanal, cálido, rural, tan afín al espíritu de makrame, que dibuja mejor que nunca ~y nunca mejor dicho porque Johannes Schebler además pinta y colorea~ los recovecos de su ambient folk miniaturizado y chispeante. 

las sorpresas de 'aufbruch' son, entonces, pequeños regalos para los que admiramos todo lo que hace Johannes Schebler: apenas el tímido uso de un delay, campanillas, drones que parecen violines, violines que parecen armonios, pianos que parecen mandolinas, vibráfonos que suenan como el hielo en los vasos, flautas que parecen cascabeles, un órgano de iglesia acolchado como el más mullido de los sofás, tal vez un dulcimer, el graznido de un cuervo, voces de niños en 'durch das licht von elysion', preciosa nana cual página arrancada de algún cuento infantil de la famosa noche de Walpurgis. la producción es nítida, vibrante, cristalina, totalmente orgánica, encontrando miles de matices, sonidos indescriptibles y cierto aroma al mágico sonido Canterbury, a la hipnosis folk de nuestra añorada Tara Burke, al mundo flotante de M.M. Peres, a las ondas sónicas de juguete de Jonathan Fitoussi y sobre todo a la dulzura tribal de Sunhillow, con quien el año pasado había compartido un split en SicSic Tapes. no es tanta casualidad que otros de los minicedés publicados en makrame fuese de Uton, el alien duende por excelencia con quien Johannes nos regaló otra cinta inolvidable en Ginjoha Tapes bajo el nombre de Grykë Pyje. de ahí la sensación de que makrame, sin acento porque en euskera nunca hay acentos, conecta en la distancia músicos que, sin saberlo, o tal vez sabiéndolo, ya estaban conectados.

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råd kjetil senza testa

råd kjetil senza testa - of the augmented living dead (zeon light, 2013)

Tengo que reconocer que en un primer momento me lancé impaciente soñando encontrar nuevos resquicios del extinto sello ‘goddamn i'm a countryman’, the spacious mind o jens unosson. La mejor noticia es que valió la pena. Tras varias grabaciones en busca de una identidad, Edi, PLT, MSV y Landins aterrizan en zeon light para sumergirse en un ambient drone que se desvanece en suaves y profusas melodías que evocan los místicos viajes de JD Emmanuel, Daryl Groetsch, y las kosmiche meditations de esas primerizas y visionarias grabaciones del kraut, siempre tan presentes en mi subconsciente. Sintes analógicos, secuenciadores, loops, minimalismo in crescendo entre la más absoluta calma en 'augmented living dead'. Levitando entre el espacio exterior y lo puramente orgánico en ‘hyper kali, flotas en la noche a la deriva con los ojos cerrados, rozando lo orgánico pero levitando en el espacio, revoloteando alrededor de una estrella que se apaga. Habrá que seguirles la pista tan cerca como a Von Himmel.

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john davis

john davis • ask the dust [students of decay, 2013]

las de John Davis son composiciones que suenan a un mundo mágico plagado de seres de otros planetas y espacios siderales. como en "Superpartner" y su acumulación de sonidos que parecen salidos de una escena de ciencia ficción; anuncia que es momento de transportarse a  tiempos inimaginables... construir, reconstruir o deconstruir sonidos con sintetizadores modulares requiere cierta camaradería con doña musicala.  El artista sonoro, compositor y cineasta John Davis la tiene.  Con "Ask the Dust" se nota, comparte un distante universo que sale a flote a través de ruidos, frecuencias, señales, secuencias y otros sonidos engendrados con diversos sintetizadores modulares Blacet; se crean regiones sonoras que se entremezclan sin pudor alguno con loops, field recordings y bellos sonidos de guitarras y pianos. estilo y tacto preciso... es como cruzar un campo lleno de melodías que te colocan en otra dimensión, una hermosa travesía.  como sucede con "Palestrina" o "Synecdoche"; ya sea por medio de drones que oscilan a distintos ritmos, o a través de silencios y/ o ambientes, el resultado siempre es el mismo: estado de hipnosis pura.

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the winter-long mud puddle / the hawkline orchestra

the hawkline orchestra ~ untitled cs (cabin floor esoterica, 2011)

poco o nada se sabe de The Hawkline Orchestra, una de estas dos cintas misteriosas de Cabin Floor Esoterica, sello especial y diminuto, casi de culto, que por alguna razón siempre relacionaré con L'Animaux Tryst Field Recordings. cuando sabes que nada de lo que pueda editar te decepcionará. clima y textura, sonido añejo y destartalado, cintas, loops, hauntología casera sepultada bajo un sedante manto analógico. el balance justo de melancolía y sobriedad. ¿os acordáis de Sinner Jim Whitney y Franklin & Lajoie? algo me dice que Matt Lajoie y White Fir podrían tener algo que ver, pero no estoy segura. hacia el final de la cara a sucede algo mágico, algo familiar y a la vez desconocido, una trompeta que parece venir del más allá, de un baile de salón de los años cincuenta a punto de desaparecer, figuras irreconocibles que se quedan atrás para siempre... sí, tal vez nada que no hiciera antes The Caretaker o Crippling, pero la esencia primitiva y fantasmagórica, casi inaccesible, de The Hawkline Orchestra lo envuelve todo de un telón invisible, que lo separa del resto, difícil explicar.

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the winter~long mud puddle ~ untitled cs (cabin floor esoterica, 2011)

amor a primera vista. The Winter~Long Mud Puddle, más bonita y emocionante, es una de esas cintas que hay que tratar con delicadeza y escuchar en el momento adecuado, música que te aisla y que nunca deberías escuchar a la luz del día sino en completo y absoluto silencio. la sublimación absoluta de la bajísima fidelidad, la lentitud y la levedad, la melancolía y la emoción pura arropadas por un fondo de drones y cierto aroma Field Studies y Worn Habit. sintetizadores tan library music, tan espectrales, borrosos, nublados, difusos, que a mí me encogen el corazón. y de nuevo, algo inexplicable sucede a partir del minuto cuatro de la cara b, algo abstracto, indefinido e indefinible, segundos, minutos que nunca adivinarías de dónde vienen y que te dejan completamente abducida, seducida, absorbida, emocionada... magia. la portada me recuerda a Of the Dreams and Ambitions y ya no puedo decir más. esas sorpresas inesperadas de la vida, cuanto más bajito, mejor...siempre mejor.

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graham lambkin

 graham lambkin ~ abersayne / attersaye 7" (kye,2013)

Llevo años siendo un enamorado de Graham Lambkin. Motivos para los que conozcan su obra, los hay de sobra. Desde sus aventuras en una formación tan capital como The Shadow Ring (además de formaciones orbitando en lenguajes igualmente singulares como Tart, Elklink o Transmission), su labor detrás del sello Kye y una serie de colaboraciones recientemente junto a Keith Rowe o la magistral trilogía junto a Jason Lescalleet. Su obra vista con perspectiva, sigue modulándose en torno a conceptos cotidianos con los que crear nuevas realidades y al mismo tiempo, pese a plantear conceptos de vanguardia en todos ellos, con el paso del tiempo ha ido reconduciendo todas estas facetas a una mirada más cercana a la vida, un lugar donde no hay tanta frustración y sí buenos recuerdos, experiencias y amabilidad. Su música acompaña y cada vez, se hace más agradable encontrarnos con sus discos y experiencias. Un album como "Amateur Doubles" era una auténtica autopista de sensaciones en la que nos sentábamos en su coche para hacer un recorrido cálido y panorámico alrededor de la unión de sonidos de diferentes discos de corte progresivo como los de "Pôle" de Philippe Besombes y Jean-Louis Rizet o "300 Miles Away" de Philippe Grancher.

Encontrarse con un single como "Abersayne / Attersaye", después de un año en los que cerró la trilogía junto a Lescalleet con "Photographs" o colaboró con Rowe en "Making A", es un respiro de aire fresco al rebajar el tono de su obra hacia un terreno más reposado y melancólico, una vía de escape a la presión de estos proyectos tan exigentes pero con resultados tremendamente satisfactorios. Es una versión de Lambkin menos crítptica, pero indiscutiblemente el sedimento principal de su música es inconfundible. Desde una portada donde aparece junto a su pareja Adris Hoyos, en una suerte de estampa de vacaciones y calmada, los dos cortes de este single parecen toda una declaración de amor y romanticismo frágil que Ana me comentaba que le recordaba a las maravillas de Loren Connors y Kath Bloom. También me recuerda en parte a la fragilidad mágica e indescriptible de Daniel Johnson. 

En primer lugar, "Abersayne" nos deja una dulce melodía de guitarra hundida entre efectos y ecos mientras Lambkin canturrea despreocupadamente entre la melancólica estampa del atardecer en el campo, de las descuidadas estampas de folk lo-fi que podrían recordarnos a tantos outsiders y ediciones privadas folk, que sería casi una pérdida de tiempo (pero por la estatura de los personajes citar la obra "Flaming Tunes", sería apropiado). Simplemente dulce y al mismo tiempo, tiene esa producción que busca sonar descuidada para llegar a una realidad enmarcada en lo doméstico, hogareño y conectar con el entorno del oyente. 

Descontextualizar su entorno para poder crear una estampa nueva del nuestro. "Attersaye", con su piano meciéndose en una serenata utilizando una canción perdida de algún crooner que ahora mismo desconozco pero con un tono barítono entre el lamento más mortuorio de Johnny Cash , Tim Buckley o Mark Melanson, mientras va canturreando Lambkin por encima de esta canción y se ve interferido por una conversación sobre las llaves del coche para después volver otra vez a ella. Es una naturaleza en la que parece conversar con Lescalleet , (quién se encarga de la masterización) y al mismo tiempo, es tan solo poesía sonora. 

Primer 7 pulgadas que lanza Lambkin en toda su carrera y posiblemente, sea la música más dulce que ha conseguido facturar. Y aún así, inclasificable. Como asar castañas, rodeado de telas de araña. 

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